Im Gespräch mit Shapednoise

Nino Pedone, der Künstler, besser bekannt als Shapednoise, ist ein in Berlin lebender italienischer Produzent, dessen Sounddesign Momente der Schönheit mit durchdringenden Schreien verbindet. Bei der diesjährigen Berlin Atonal, Im Rahmen der Veranstaltung, die vom 7. bis 17. September stattfindet, präsentiert Shapednoise sein neuestes, ohrenbetäubendes Klangexperiment “Absurd Matter”, das sich um die beiden Pole von extremem Noise und Hip-Hop dreht.

Auf dem Album sind das New Yorker Rap-Duo Armand Hammer, der französische Techno-Rap-Pionier Brodinski, der David-Lynch-Kollaborateur Dean Hurley, die avantgardistische Dichterin, Musikerin und Aktivistin Moor Mother aus Philadelphia sowie ZelooperZ von der Bruiser Brigade als Gastmusiker vertreten. Anlässlich des Berlin Atonal wird die Show von einer Zusammenarbeit mit dem bildenden Künstler Sevi Iko Dømochevsky begleitet, bei der der Künstler ein delirantes und albtraumhaftes experimentelles CGI-Abenteuer präsentieren wird.

Im Vorfeld seines Auftritts beim Berlin Atonal 2023 sprechen wir mit Shapednoise darüber, wie er seinen Sound gefunden hat, welchen Einfluss Berlin und Italien auf seinen Sound haben und welches Konzept hinter seiner neuesten Veröffentlichung steckt.

SLEEK: Fangen wir ganz von vorne an. Wie bist du zur Musik gekommen – insbesondere zu Noise und Hip-Hop?

Shapednoise: Als Teenager, so mit 16, habe ich oft Zeit mit meinem Cousin in Sizilien verbracht, und er hat mich an eine eher avantgardistische Seite der Musik herangeführt – John Cage fällt mir da ganz besonders ein. Ich habe schnell angefangen, mehr experimentelle und elektronische Musik zu hören, bevor ich mich dann richtig für Noise begeistert habe. Ein Künstler, der maßgeblich dazu beitrug, mich an die Computermusik heranzuführen, war Massimo, ein Künstler aus Sizilien, der Anfang der 2000er Jahre Musik auf einem Label namens Mego veröffentlichte. Diese elektronische Musikszene und die Künstler darin waren mein Einstieg in die Genres Experimental und Noise.

Hip-Hop hingegen ist ein Genre, das ich schon immer gehört habe. Ich bin in Sizilien aufgewachsen, und meine Freunde und ich standen ziemlich auf klassischen Rap. Ich finde das Genre einfach unglaublich interessant. Es vereint so viele verschiedene Einflüsse und Subgenres. Es ist immer sehr offen für neue Einflüsse und Experimente.

S: Du bist in Italien geboren, lebst aber mittlerweile hier in Berlin. Wie hat Berlin deinen Sound beeinflusst?

SN: Ich muss sagen, dass die meisten Klänge, die meine Arbeit beeinflussen, aus Großbritannien und den USA stammen. Aber ich glaube, dass man hier in Berlin die Möglichkeit hat, mit Menschen aus aller Welt in Kontakt zu treten. Und verschiedene Künstler kommen hierher, um aufzutreten, oder sind hier ansässig. Hier gibt es natürlich eine sehr lebendige elektronische Musikkultur – und generell ein reichhaltiges kulturelles Musikangebot. Das regt den Geist zur Kreativität an. Künstler bleiben gerne hier, weil diese Stadt viele Impulse bietet und immer viel los ist.

S: Es wurde beschrieben, dass Ihr Ansatz beim Sounddesign dem ähnelt, wie ein Bildhauer mit einem Stein umgeht. Wie sieht Ihr Arbeitsprozess aus, wie gelangen Sie zu einem endgültigen, fertigen Klangstück?

SN: Der Prozess ist nie derselbe. Normalerweise gehe ich immer von bestimmten Klängen aus, von verschiedenen Klangquellen. Diese können aus Feldaufnahmen stammen, aus einem Sample einer Drum-Machine oder aus einem Synthesizer – egal ob analog, modular oder digital. Ich experimentiere also gerne mit verschiedenen Klangquellen und beschränke mich nicht auf eine einzige.

Ich arbeite so, dass ich verschiedene Bearbeitungsschritte durchführe. Außerdem mache ich viel Resampling. Zum Beispiel beginne ich gerne mit einer Quelle wie einer MIDI- oder Audioquelle. Ich neige generell dazu, alles als Audio aufzunehmen, da mir das die Möglichkeit gibt, die Klänge freier zu bearbeiten. Manchmal habe ich eine Quelle, die ich immer in Ableton sample und anschließend Audiobearbeitung sowie weiteres Resampling durchführe. Es handelt sich also um einen Prozess, der generell die Bearbeitung von Klangquellen umfasst.

Deshalb kommt es mir wie Bildhauerei vor, denn ich gehe meist von einer Vorlage aus, die sich völlig verändert. Im Endergebnis klingt es dann ganz anders als das, was es ursprünglich war und wozu es ursprünglich diente.

S: „Absurd Matter“ ist dein bislang umfassendstes und ambitioniertestes Werk. Wie sah das ursprüngliche Konzept aus?

SN: „Absurd Matter“ ist eher eine Weiterentwicklung meines vorherigen Albums „Aesthesis“. Ich denke, der Unterschied besteht darin, dass ich bei diesem Album einen direkteren Ansatz verfolgen wollte. Auch was das Arrangement und die Komposition angeht, sind die Tracks weniger chaotisch und haben eine prägnantere Struktur. Außerdem wollte ich natürlich verschiedene Künstler einbeziehen, die mit mir zusammenarbeiten – MCs und Produzenten.

S: Und es steckt voller Kooperationen – vom französischen Produzenten Brodinsk über die Aktivistin Moor Mother bis hin zu Dean Hurley, der schon mit David Lynch zusammengearbeitet hat. Wie hast du entschieden, mit wem du bei diesem Projekt zusammenarbeiten wolltest?

SN: Meistens ergibt sich das ganz natürlich. Dean Hurley zum Beispiel mochte mein letztes Album sehr, und so stehen wir in Kontakt, um über eine gemeinsame Musikproduktion zu sprechen und Ideen auszutauschen. Mit Moor Mother kennen wir uns schon seit ein paar Jahren, und natürlich haben wir verschiedene gemeinsame Mitwirkende und Freunde, mit denen wir zusammenarbeiten, wie zum Beispiel Justin Broadrick und The Bug.

S: Beim Berlin Atonal werdet ihr in Zusammenarbeit mit dem bildenden Künstler Sevi Iko Dømochevsky eine atemberaubende CGI-Visualisierung präsentieren. Inwiefern hofft ihr, dass dies das Erlebnis von „Absurd Matter“ bereichern wird?

SN: Unser Ziel ist es, eine einzigartige Show zu gestalten und den Zuschauern ein umfassendes Erlebnis zu bieten, das das Album widerspiegelt. Und das wollen wir mithilfe der visuellen Elemente, einschließlich der Beleuchtung und des Bühnenbilds, erreichen.

S: „Berlin Atonal“ möchte das Ausstellungsformat hinterfragen, indem es das Modell selbst neu überdenkt – sowohl für den Betrachter als auch für den Künstler. Inwiefern bereichert dieses experimentelle Element Ihre künstlerische Praxis?

SN: Es ist interessant, wie das Berlin Atonal Musik mit anderen Kunstformen wie visuellen Installationen verbindet. Ich finde, das Programm ist dieses Jahr viel umfangreicher, da die Ausstellungswoche “Universal Metabolism” Live-Shows und nächtliche Konzerte miteinander verband. Das finde ich sehr spannend, besonders im Hinblick auf die Art von Musik, die ich mache. Ich mag es immer, mit verschiedenen Medien zu interagieren und mich nicht zu sehr auf die Musik zu beschränken.