Blinky Palermo, 1973, im Kunstverein Hamburg. Blinky Palermo, Wandbild, 1973, Kunstverein Hamburg @ VG Bild-Kunst, Bonn 2024.
Ende der 1960er Jahre machten sich Subkulturen in der jungen Bundesrepublik Deutschland daran, den Alltag, die Kultur und die Kunst mit neuen Einstellungen und Perspektiven grundlegend zu verändern. Vor diesem Hintergrund begann für eine junge Frau eine lebenslange Liebesbeziehung zur Kunstwelt. Sie griff zur Kamera und begann, diese Liebe zu dokumentieren. Heute, mehr als fünf Jahrzehnte später, hält das Werk dieser Künstlerin nicht nur die Vergangenheit und ihre Kunststars am Leben, sondern gewährt auch einen Blick hinter die kunstvollen Fassaden von Menschen, die durch ihr kreatives Schaffen unsere Sicht auf die Welt verändert haben. Lernen wir diese Person kennen: Ihr Name ist Angelika Platen. Die 1942 in Heidelberg geborene 81-Jährige lebt heute in Berlin-Schmargendorf. Und genau dort besuchen wir sie.
Ich betrete ein stattliches altes Gebäude in einem einladenden, schönen Stadtteil der Hauptstadt. Ich bin mir nicht sicher, was mich erwartet, als ich die lange Treppe bis in die oberste Etage hinaufsteige. Hier begegne ich Angelika Platen zum ersten Mal. Mein Wissen über sie beschränkt sich auf das, was öffentlich bekannt ist: Anfang der 70er Jahre, als sie bereits Mutter von zwei Kindern war, begann sie zu fotografieren und schuf ikonische Bilder von Persönlichkeiten wie beispielsweise Beuys, Baselitz, Richter und Christo. Und dann hörte sie einfach auf – zumindest für eine ganze Weile. Nachdem sie als Fotokolumnistin für die deutsche Zeitung Die Zeit Als Leiterin der Galerie Gunter Sachs in Hamburg zog sie aus Liebe nach Paris, wurde zum dritten Mal Mutter und entschied sich für einen sicheren, unbefristeten Arbeitsvertrag.
Platen lebte daraufhin lange Zeit in Paris, ohne sich auf dem Kunstmarkt zu engagieren – bis in die 90er Jahre, als sie sich eine neue Kamera kaufte und ihre zweite Schaffensphase begann. Bald fotografierte sie wieder, doch während ihre früheren Arbeiten stets ausschließlich analog und in Schwarz-Weiß entstanden waren, fotografierte sie nun digital und in Farbe. Seitdem hat Angelika Platen Porträts vieler junger Künstler aufgenommen, mit denen sie in den 70er Jahren zusammengearbeitet hatte und die nun in ihren späteren Jahren sind. Zu ihrem Werk gehören Porträts aktueller Weltstars wie Marina Abramović und Jeff Koons. Nach dem Aufkommen der #MeToo-Bewegung begann Platen eine Zeit lang, ausschließlich Frauen aus der Kunstszene zu porträtieren, wie in dem Buch festgehalten Frauen (Deutscher Titel: Meine Frauen), erschienen 2021 im Hatje Cantz Verlag.
Hier, in Platens Wohnung, spüre ich eine große Gelassenheit in der Ausstrahlung der Fotografin. Genauer gesagt strahlt sie die Gewissheit aus, die ihr zur Verfügung stehende Zeit genutzt zu haben, um etwas Bedeutsames und Schönes zu schaffen. Ich bin hin- und hergerissen zwischen Bewunderung und Neid. Angelika Platen strahlt eine ruhige Präsenz aus, die mich als Interviewerin entspannt. Die Wohnung erstreckt sich über zwei Etagen. Platens Atelier befindet sich im Obergeschoss; dort werden ihre Abzüge aufbewahrt, bereit, in einer der zahlreichen Ausstellungen zu glänzen, die die Künstlerin für die nahe Zukunft geplant hat. Doch vorerst bleiben wir unten am Küchentisch sitzen. Es gibt Gebäck und Tee.
James Rosenquist, 1973, in Köln. James Rosenquist PRESIDENT ELECT © James Rosenquist Foundation / Verwendung mit Genehmigung. Alle Rechte vorbehalten / / VG Bild-Kunst, Bonn 2024. Der Pop-Art-Pionier reist 1973 eigens für seine Ausstellung am Stand der Galerie Rolf Ricke auf dem Kölner Kunstmarkt von New York nach Köln. Ich fotografiere James Rosenquist vor seinem großformatigen Werk „President Elect“, kurz nachdem er damit fertig ist, das große, mehrteilige Kunstwerk herumzutragen. Anschließend nimmt Rosenquist meine Kamera und fotografiert mich seinerseits.
Joseph Beuys, Protestmarsch, 1970, in Köln. 1967 gründeten Hein Stünke und Rudolf Zwirner den „Verein progressiver deutscher Kunsthändler“. Kurz darauf findet der erste Kölner Kunstmarkt statt. Nur drei Jahre später begeben sich diejenigen, die durch das elitäre Auswahl- und Ernennungsverfahren ausgeschlossen wurden, auf einen Protestmarsch in Richtung Kunstmarkt. Joseph Beuys geht voran. Das Foto trägt den Titel „We Enter the Art Market“ (deutscher Titel: „Wir betreten den Kunstmarkt“). Es hält die Forderung nach einer Demokratisierung des Kunstmarkts fest. Die Demonstranten stehen draußen: Vostell, Beuys, Rywelski und Staeck. Drinnen schlägt Rudolf Zwirner ihnen die Tür vor der Nase zu.
Sascha Ehlert: Ich habe gehört, dass du derzeit an einem Buchprojekt arbeitest. Kannst du uns in dieser frühen Phase schon etwas darüber erzählen?
Angelika Platen: Es wird eine Monografie werden. Ich habe letzten Herbst damit begonnen, als ich in Paris Photo. Dort habe ich Kontakte zu verschiedenen Verlagen geknüpft und mir insgesamt einen Überblick darüber verschafft, was es so auf dem Markt gibt.
SE: Weißt du schon, wie du die Monografie beginnen möchtest, oder welches das älteste darin abgebildete Foto sein wird?
AP: Ja, das würde ich dir gerne mal zeigen. Ich möchte mit einem meiner ersten Fotos beginnen, einem Porträt meiner Großmutter aus Antwerpen. Den Namen Platen habe ich von ihr. Ich weiß nicht, ob es Ihnen aufgefallen ist, aber in meinem Flur stehen diese flämische Truhe und der Kronleuchter daneben; beides sind Erinnerungsstücke meiner Familie.
SE: Wie alt warst du, als du dieses Foto von ihr gemacht hast?
AP: Ich muss etwa 14 oder 15 Jahre alt gewesen sein. Nach diesem Porträt meiner Großmutter folgt ein Foto, das jemand bei meinem Abitur von mir gemacht hat. Danach kommt mein erster Auftrag. In den Sechzigern reiste ich drei Monate lang per Anhalter in die algerische Sahara. Ich habe die Wüste fotografiert, aber auch Ahmed Ben Bella, den ersten Präsidenten des unabhängigen Algeriens. Außerdem war ich für kurze Zeit als einzige Frau in der Fremdenlegion. Als ich wieder in Deutschland war, habe ich einige Werbeaufträge gemacht, zum Beispiel für Porsche oder Feinkost Käfer. Die ersten Fotos – die ersten guten Fotos, die ich von Künstlern gemacht habe – nun, das begann eigentlich mit Joseph Beuys, den ich 1967 zum ersten Mal fotografierte. Zu diesem Zeitpunkt war ich bereits Mutter von zwei Kindern. Ich hatte meine Kinder 1966 zur Welt gebracht und nahm sie von Anfang an mit zu Ausstellungen.
SE: Als du als Teenager deine Großmutter fotografiert hast, war dir da schon klar, dass du dein Leben der Fotografie und der Kunst widmen würdest?
AP: In meiner Jugend habe ich es geliebt, Grundrisse zu zeichnen und in Architekturzeitschriften zu blättern. Dabei habe ich etwas Wichtiges gelernt: ein Gespür für Raum. Ich glaube, das hilft mir sehr bei meiner fotografischen Arbeit. Außerdem mag ich es nicht, wenn Leute meine Bilder zuschneiden, da meine Bildkomposition immer bewusst gewählt ist.
SE: Würden Sie die Suche nach dem richtigen Bild und der richtigen räumlichen Komposition als bewussten Prozess beschreiben, oder geschieht das eher intuitiv?
AP: Mein Berufsleben lässt sich in zwei Phasen unterteilen: die analoge und die digitale Phase. In der ersten Phase war ich immer darauf angewiesen, das richtige Objektiv an der Kamera zu haben; ich wechselte meist zwischen Weitwinkel- und Teleobjektiven. Als ich dann einige Jahrzehnte später anfing, digital zu fotografieren, verlor ich dieses Raumgefühl ein wenig. Ich arbeitete oft mit Ausschnitten und ging dabei immer sehr nah heran. Das sieht man besonders deutlich in meinem Buch mit den Frauenporträts.
Anthony Goicolea, 2002, in Paris. Im Jahr 2002 verbrachte ich den Großteil meiner Zeit in Frankreich, meiner Wahlheimat. Jedes Jahr besuchte ich die FIAC, eine der bedeutendsten Pariser Kunstmessen. Ich traf dort viele Künstler, die ich bereits fotografiert hatte, aber auch junge, aufstrebende Künstler, die noch ganz am Anfang ihres Weges zum Ruhm standen: Anthony Goicolea, geboren 1971. Ein Porträt vor einem Selbstporträt. Anthony hatte einen Bikini getragen, der weiße Spuren auf seinem gebräunten Rücken hinterlassen hatte. Ich bat ihn, dieselbe Pose wie in seinem Selbstporträt einzunehmen; Anthony spielte mit.
Sigmar Polke, 1971, in Willich. An einem sehr heißen Sommertag im Jahr 1971 fahre ich zur Künstlerkommune Willich in der Eifel. Ich klopfe an die Tür, und Sigmar öffnet sie mit offenem Hemd und entblößtem Bauch. Wir stehen beide vor einem großen Spiegel und schauen uns an. Ich nehme die Kamera von der Schulter, halte sie mit beiden Händen fest, stelle den Fokus ein und drücke auf den Auslöser. „Zwei im Spiegel“ (deutscher Titel: Zwei im Spiegel) ist geboren.
SE: War Ihr Projekt, Frauen, als direkte Reaktion auf die #MeToo-Bewegung entstanden?
AP: In gewisser Weise, ja. Außerdem ist mir aufgefallen, dass ich in meiner Anfangszeit immer so viele Männer fotografiert habe – damals, in den Sechziger- und Siebzigerjahren, habe ich in all den Jahren nur drei Frauen fotografiert und bin bei meiner Arbeit fast ausschließlich Männern begegnet. Lange Zeit hat das niemand hinterfragt, und ich habe mir darüber auch keine großen Gedanken gemacht. Ich möchte Ihnen eine Geschichte erzählen, die wirklich verdeutlicht, wie es damals war. Als ich bei der Galerie Gunter Sachs arbeitete, wurde ich damit beauftragt, eine große Ausstellung im Hotel Atlantic in Hamburg zu organisieren. Zur Vernissage trug ich also einen rosa Hosenanzug, den ich extra für diesen Anlass gekauft hatte – und wurde am Eingang abgewiesen. Die Begründung: Frauen in Hosen dürfen das Hotel nicht betreten. Man wollte mich nicht hereinlassen, obwohl ich die Ausstellung kuratiert hatte. Erst als der Direktor eingriff, durfte ich endlich hinein. So war es damals. Schau mal, als ich zum ersten Mal schwanger war und noch an der Universität studierte, war es völlig undenkbar, dass ich mein Studium fortsetzen und mit sichtbarem Babybauch Vorlesungen besuchen würde. Ein eigenes Bankkonto eröffnen? Vergiss es. Ich wollte arbeiten, obwohl ich Kinder hatte, und habe immer versucht, mich zu wehren, aber es war sehr schwierig.
SE: Ihre fotografische Arbeit weist einige einzigartige Merkmale auf. Da sind die räumliche Komposition, die allgegenwärtigen Spiegel und Ihre geduldige Art, auf die Motive Ihrer Fotos einzugehen und auf sie einzugehen. Dieses letzte Element ist für Sie sehr wichtig, um den richtigen Moment einzufangen, nicht wahr? Wie lange müssen Sie warten, bis Sie die Künstler dazu bringen können, aus sich herauszukommen?
AP: Auch das hat sich im Laufe der Zeit stark verändert. Anfangs habe ich Künstler fotografiert, die genauso alt waren wie ich. Heute fotografiere ich Menschen, die so alt sind wie meine Kinder oder Enkelkinder. Daher ist meine Herangehensweise heute natürlich eine andere. Früher ging es oft um Augenzwinkern und Flirten. Heutzutage arbeite ich häufig mit Künstlern zusammen, die ebenfalls bewusst versuchen, ein bestimmtes Bild zu vermitteln, und die bei der Auswahl der Fotos mitreden wollen. Normalerweise zeige ich ihnen die ersten Fotos, die ich gemacht habe, und frage dann: ‘Wie soll ich von hier aus weitermachen?’ Es ist gewissermaßen zu einer Zusammenarbeit geworden.
Gerhard Richter, 1971, im Atelier des Malers. Der leere Stuhl im Atelier wartet auf den Künstler. Das Gemälde mit den Wolken über Sylt im Hintergrund deutet an, dass der junge Gerhard Richter im Begriff ist, Platz zu nehmen. Es gelingt ihm, das zu erfassen, was sich nur vage erfassen lässt. Dieses Bild von ihm war vor 45 Jahren das erste einer neuen Serie.
Kredite
Wörter: Sascha Ehlert
Fotografie: Angelika Platen.
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