Wer entscheidet darüber, was Kunst wertvoll macht? Lange Zeit schien die Antwort auf der Hand zu liegen. Museen, Galerien, Kritiker und Sammler prägten die Hierarchien, die über die künstlerische Relevanz bestimmten. Heute stehen diese Institutionen zunehmend im Wettbewerb mit Social-Media-Plattformen, Algorithmen und Online-Publikum. Aufmerksamkeit ist zu einer eigenständigen Währung geworden, und die Art und Weise, wie Wert geschaffen wird, verändert sich.
schwedischer Künstler Jonas Lund hat einen Großteil seiner Karriere damit verbracht, diese Systeme sichtbar zu machen. In seinen Arbeiten nutzt er Algorithmen, Blockchain, KI-Agenten und dezentrale Entscheidungsfindung nicht bloß als Technologien, sondern als Mittel, um zu untersuchen, wie künstlerischer Wert entsteht. Projekte wie Die Angst, etwas zu verpassen, der Jonas Lund-Token, und Leistungsbeurteilung die Frage, wer darüber entscheidet, was wichtig ist, und ob diese Entscheidungen delegiert, automatisiert oder transparent gemacht werden können.
In diesem Gespräch mit Anika Meier Für SLEEK erläutert Jonas Lund, warum er der Ansicht ist, dass die Aufmerksamkeit die Institutionen als dominierenden Mechanismus der Wertschöpfung abgelöst hat, warum soziale Medien die Kunstwelt neu geprägt haben, was er aus seinen Versuchen gelernt hat, deren Systeme zu hacken, und warum die Kunst selbst – trotz immer wiederkehrender Behauptungen über ihr Ende – nicht vor dem Aus steht.
Anika Meier Jonas, Wie definiert man Wert in der Kunstwelt?
Jonas Lund Was mich interessiert, ist, wie Wert geschaffen wird. Die hierarchische Machtstruktur der Kunstwelt schafft Wert ganz anders als ein kleiner Projektraum um die Ecke. Wenn man sich die Kunstwelt als ein einheitliches System vorstellt, in dem eine relativ kleine Gruppe einflussreicher Menschen den Diskurs darüber bestimmt, was wertvoll und was relevant ist, dann ist das ein Modell der Wertschöpfung. Es gibt viele verschiedene Arten von Wert, sowohl in der Kunstwelt als auch im Leben. Doch gerade in den letzten Jahren scheint der einzige Wert, der den Menschen noch wichtig ist, der Marktwert zu sein. Ich habe mir Hito Steyerl bei Joshua Citarella angesehen, Doomscroll Podcast neulich. Dort wurde darüber diskutiert, ob die Kunstwelt, zumindest so wie wir sie bisher kannten, im Grunde genommen vorbei ist. Vielleicht haben sie recht. Vielleicht ist die Kunst im Zeitalter des KI-Schunds wirklich vorbei.
AM Wenn wir uns den Aufsatz von Andrea Fraser ansehen Das Feld der zeitgenössischen Kunst in e-flux (2024), beschreibt sie fünf sich überschneidende Teilbereiche der zeitgenössischen Kunstwelt. Der akademische Teilbereich generiert Wissen, der Ausstellungsbereich Erfahrungen, der Kunstmarktbereich Wert, die gemeinschaftsbasierten Teilbereiche Gemeinschaft und der Bereich des kulturellen Aktivismus sozialen Wandel. Was ich interessant finde, ist das, was fehlt. In ihrem Text aus dem Jahr 2024 berücksichtigt sie soziale Medien nicht wirklich. Soziale Medien haben diese Unterscheidungen verwischt und gleichzeitig völlig neue Wertesysteme geschaffen.
JL Es ist ein Irrtum, die Kunstwelt als eine homogene Einheit zu betrachten. Das ist sie nicht. Es gibt viele verschiedene Kunstwelten. Der NFT- und Krypto-Bereich ist eine davon. Die europäische institutionelle Kunstwelt ist eine andere. Und diese unterscheidet sich stark von der amerikanischen institutionellen Kunstwelt, da sie nach unterschiedlichen Prinzipien funktioniert. Nehmen wir zum Beispiel die Museen in den USA. Um eine Einzelausstellung in einer großen Institution zu bekommen, muss man im Grunde von einer von nur einer Handvoll Galerien vertreten werden. Es gibt nur sehr wenig öffentliche Förderung, sodass die Galerien das System faktisch finanzieren. Die letzten Zahlen, die ich gesehen habe, deuteten darauf hin, dass etwa fünf Galerien rund 85 Prozent der institutionellen Einzelausstellungen in den USA ausmachten.
Das klassische Modell der Wertschöpfung ist die institutionelle Kunsttheorie: Kunst ist das, was die Kunstwelt dafür hält. Das kann das gesamte System zirkulär, ja sogar korrupt erscheinen lassen. Darum ging es zum Teil auch beim „Jonas Lund Token“. Je höher man in der Hierarchie steht, desto mehr Einfluss hat man darauf, zu entscheiden, was gut oder schlecht, relevant oder irrelevant, wertvoll oder wertlos ist. Das wird zu einer sich selbst erfüllenden Prophezeiung. Ich glaube, dass dieses Modell in den letzten Jahren durch soziale Medien, NFTs und neue Marktteilnehmer ins Wanken geraten ist. Museen verlieren langsam einen Teil ihrer Autorität als ultimative Wertschöpfer. Gleichzeitig glaube ich nicht, dass die Kunstwelt besonders gut darin ist, sich zu verändern. Es ist ein sehr festgefahrenes System. Ich glaube nicht, dass es kurz davor steht, grundlegend auf den Kopf gestellt zu werden.
Was sich geändert hat, ist die Messgröße. Aufmerksamkeit ist zur eigentlichen Währung geworden, zum eigentlichen Mechanismus der Wertschöpfung – und nicht mehr die alten institutionellen Strukturen. Das spürt man. Jeder kann es spüren. Beeple ist ein gutes Beispiel. Je mehr Follower man hat, desto mehr Interaktion erhält man, desto wertvoller wird man. Das Gleiche gilt für jemanden wie KAWS oder andere Künstler, die nicht unbedingt die interessantesten sind, aber ein riesiges Publikum haben.
AM Wenn die Kunst noch nicht vorbei ist, was geht dann zu Ende?
JL Die Kunst ist nicht vorbei. Sie ist niemals vorbei, weil Menschen Dinge schaffen wollen. Wovon ich spreche, ist die etablierte Art und Weise, wie die Kunstwelt Wert schafft. Sie verschwindet nicht, aber es wird immer schwieriger, ihre exklusive Position in der kulturellen Produktion zu rechtfertigen. Kein anderer Kulturbereich funktioniert so. Die Kunstwelt hüllt sich in einen Schleier der Wichtigkeit, einen Schleier aus komplizierter Sprache. Entweder man gehört dazu oder nicht. Entweder man versteht es oder nicht. Sie ist nichts für die breite Masse. Vergleiche das einmal mit der Musik. Wenn die Musikindustrie so funktionieren würde wie die Kunstwelt, wäre das absurd. Vielleicht wird die Kunstwelt einfach immer mehr wie andere Kulturbereiche. Aber das ist bedrohlich für Sammler, Institutionen und Galerien, weil es ihre Position und ihre Macht ins Wanken bringt. Das System ist darauf angewiesen, eine Unterscheidung zwischen Insidern und Außenseitern aufrechtzuerhalten. Deshalb habe ich es immer als grundlegend korrupt angesehen. Vielleicht liegt der Grund dafür, dass es sich so anfühlt, als würde etwas zu Ende gehen, einfach in der schieren Menge der produzierten Werke. Man verbringt zwei Minuten auf TikTok oder Instagram und denkt: “Oh mein Gott.” Es wird immer schwieriger zu begreifen, was da eigentlich vor sich geht. Gleichzeitig erleben wir sich überschneidende Krisen, und das verändert die Art und Weise, wie sich das alles anfühlt.
AM Glaubst du als Künstler, dass du mit dem konkurrieren musst, was in den sozialen Medien passiert?
JL Ich bin in einer glücklichen Lage. Wenn man ein junger Künstler ist, der gerade sein Studium abgeschlossen hat und versucht, ein Publikum zu finden, ist der Zugang heute sowohl einfacher als auch schwieriger als früher. Es ist einfacher, weil man sich sein eigenes Publikum aufbauen kann. Wenn man ein Publikum hat, wenn man Fans hat, hat man viel mehr Einfluss auf die eigene Karriere, anstatt sich auf Kuratoren und Galerien zu verlassen und seine Werke über dieses System zu verkaufen.
AM Um noch einmal auf den Jonas-Lund-Token zurückzukommen: Du hast NFTs als ein eigenständiges Segment der Kunstwelt mit einem eigenen Wertesystem bezeichnet. Ich erinnere mich noch daran, als wir 2018 zum ersten Mal darüber gesprochen haben und du mich dazu gebracht hast, eine MetaMask-Wallet herunterzuladen. Warum gerade der Jonas-Lund-Token, und wie funktioniert er?
JL Die Grundidee besteht darin, dass Sie Stimmrechte an meiner künstlerischen Praxis erwerben. Es handelt sich um einen ERC-20-Token auf der Ethereum-Blockchain mit einem festen Angebot von 100.000 Token. Das Projekt wurde 2018 ins Leben gerufen, und im Laufe der Zeit haben sich immer mehr Menschen dem System angeschlossen. Das Projekt entstand aus etwas, das ich bereits erwähnt habe: der Art und Weise, wie Wert in der Kunstwelt geschaffen wird. Nach der institutionellen Kunsttheorie ist Kunst das, was die Kunstwelt dafür hält. Die Menschen an der Spitze dieser Hierarchie haben den größten Einfluss darauf, was relevant, was wertvoll und was wichtig ist. Mit dem Token reiche ich Vorschläge beim Vorstand ein, und der Vorstand stimmt darüber ab. Er entscheidet beispielsweise darüber, wie ein Werk aussehen soll oder welche Richtung ein Projekt einschlagen soll, und ich setze das Ergebnis um. Je einflussreicher die Mitglieder des Vorstands sind, desto mehr stärken ihre Entscheidungen den Wert des Werks. Es wird zu einer Art sich selbst erfüllender Prophezeiung.
In diesem Sinne war der Jonas-Lund-Token meine ultimative Lösung für das Problem der Wertschöpfung. Gleichzeitig entstand er aus jahrelangen Versuchen, dieses schwer fassbare Phänomen, das wir in der Kunstwelt als „Wert“ bezeichnen, zu quantifizieren. Ich habe mich immer wieder gefragt, ob es einen Weg gibt, Relevanz oder Bedeutung jenseits subjektiver Meinungen zu messen. Ich glaube nicht, dass es einen gibt. Die Daten sind unvollständig. Man weiß nie, was hinter verschlossenen Türen passiert, wer mit wem spricht oder welche Sammler in welchen Gremien sitzen. Es gibt keine verlässliche Methode, Wert zu quantifizieren. Der Token macht diesen Mangel an Konsens zudem sichtbar. Heute gibt es rund 250 Vorstandsmitglieder, und es gibt fast so viele Meinungen darüber, was gut ist, wie es Menschen im Vorstand gibt. Die interessante Frage ist, wann – wenn überhaupt – diese subjektiven Meinungen zu einem Konsens werden. Natürlich war es auch ein Trick, um meine eigene Karriere voranzutreiben.
AM Du hast versucht, die Kunstwelt zu hacken, aber letztendlich hast du erkannt, dass sie sich nicht wirklich hacken lässt.
JL Zu diesem Schluss bin ich schon recht früh gekommen. Selbst wenn Die Angst, etwas zu verpassen Im Jahr 2013, als ich eine Ausstellung auf der Grundlage eines Algorithmus gestaltete, der Anweisungen zur Schaffung von Kunst generierte, wurde mir klar, dass der Zauber der Kunst gerade darin besteht, dass sie sich einer Quantifizierung entzieht. Man kann keine Big Data nutzen, um eine Formel für erfolgreiche Kunst zu entwickeln. Heute glaube ich, dass man Erfolg wahrscheinlich quantifizieren kann, aber nicht anhand des Werks selbst. Es geht um das Netzwerk rund um das Werk. Wie positioniert man es in den sozialen Medien? Wie spricht man darüber? Wer steht damit in Verbindung? Diese Dinge lassen sich durchaus manipulieren. Was sich nach wie vor nicht quantifizieren lässt, ist das Werk selbst. Das wurde während des Booms der prozessbasierten Abstraktion deutlich, als die Auktionshäuser voller Gemälde waren, die alle mehr oder weniger gleich aussahen. Warum war das eine so viel mehr wert als das andere? Der Jonas-Lund-Token war der Endpunkt dieser Fragestellung. Anstatt so zu tun, als ließe sich Wert objektiv messen, habe ich ein verteiltes, dezentrales Gremium geschaffen, das diese Beurteilungen transparent und öffentlich trifft. Die Frage lautete nun: Wer entscheidet, was wichtig ist, und warum?
AM Bitten Sie den Vorstand immer noch um Rat und überlassen Sie ihm die Entscheidungsfindung?
JL Im Moment läuft es nicht so richtig rund, vor allem, weil ich keine Zeit dafür hatte. Die Beratung eines Vorstands ist mit viel Arbeit verbunden.
AM Wer ist dabei?
JL Hans Ulrich Obrist zum Beispiel. Du bist im Beirat. Der setzt sich aus einer Mischung aus Künstlern, Kuratoren, Sammlern und Museumsdirektoren zusammen. Heutzutage ziehe ich den Beirat nur noch bei wichtigen Entscheidungen zu Rate. Man beansprucht die Zeit und Aufmerksamkeit der Menschen, und wenn die Beteiligung gering ist, verliert der gesamte Prozess seinen Sinn. Man braucht genügend Leute, die abstimmen, damit das Ergebnis überhaupt Gewicht hat. Mir wurde auch klar, dass das Anreizmodell nie vollständig umgesetzt wurde. Die Idee war, dass Token-Inhaber davon profitieren würden, wenn meine Karriere erfolgreicher würde, da der Wert des Tokens steigen würde. Was fehlte, war ein automatischer Preisalgorithmus, der den Wert des Tokens entsprechend den beobachtbaren Kennzahlen meiner Karriere anpassen würde. Letztendlich sollte er wie ein offener Markt funktionieren, fast wie ein Prognosemarkt oder eine Konsensmaschine. Mir wurde aber auch klar, dass jeder Vorschlag viermal so viel Arbeit bedeutete. Ein Großteil meiner Arbeit bestand bisher darin, mich aus dem Entscheidungsprozess herauszunehmen, indem ich ihn an einen Algorithmus, ein System, einen Regelkatalog, einen KI-Agenten oder einen Vorstand delegierte. In letzter Zeit habe ich jedoch begonnen, mich dabei wohlzufühlen, Entscheidungen selbst zu treffen. Das ist viel einfacher, als für jede Entscheidung ein ganzes Protokoll aufzubauen.
AM Während unserer Podiumsdiskussion zum Thema Autonomie vor und nach dem Einsatz von KI-Agenten auf der Digital Art Summit in Basel im Juni, jemand hat dich als faul bezeichnet.
JL Das haben sie. Und ich habe Linus Torvalds zitiert, den Schöpfer des Linux-Kernels, der sagte, er sei “faul wie ein Fuchs”. Das ist die klassische Denkweise eines Programmierers. Bei Faulheit geht es nicht darum, Arbeit zu vermeiden. Es geht um Optimierung. Wenn man etwas tausendmal tun muss, wiederholt man es dann manuell oder schreibt man ein Skript, das es für einen erledigt? Das ist im Grunde die Kernidee hinter allem, was ich tue. Ich liebe es, kleine Programme zu entwickeln, die eine einzelne Aufgabe automatisieren, damit ich sie nicht noch einmal erledigen muss. Das ist das Versprechen des Computers: Lass ihn die Arbeit machen.
AM Auch bei deiner jüngsten Ausstellung im Office Impart in Berlin ging es darum, die Kontrolle abzugeben. Leistungsbeurteilung Die Ausstellung begann mit einem leeren Ausstellungsraum, und ein KI-Agent leitete die Produktion der Ausstellung. Was hat Sie an dieser Arbeitsweise interessiert?
JL Leistungsbeurteilung Es begann mit einer leeren Galerie. Leiharbeiter führten Aufgaben aus, die ihnen von einem KI-Agenten zugewiesen wurden. Der Agent wies sie an, ein Gemälde oder ein anderes Werk zu schaffen, bewertete anschließend das Ergebnis und entschied, ob es genehmigt, überarbeitet oder verworfen werden sollte. Auf der Grundlage dieser Bewertung entschied ich, ob ich das Werk signieren würde. Es wurde zu einer Art Fabrik oder einem von einer KI geführten Atelier. Ein Teil der Motivation war praktischer Natur. Ich hatte nicht so viel Zeit wie sonst, um eine Einzelausstellung zu produzieren, also schuf ich eine Ausstellung, die ihre eigenen Werke hervorbrachte. Ich hatte tatsächlich schon einmal etwas Ähnliches gemacht, in Atelierpraxis im Jahr 2014, nur dass die Anweisungen damals von mir kamen und nicht von einer KI. Generell habe ich mich schon immer dafür interessiert, Systeme zu entwickeln, die mit möglichst wenig Eingriffen meinerseits laufen und dennoch gute Ergebnisse liefern. Es ist diese Fantasie von einer Atelierpraxis, die mehr oder weniger von selbst läuft. Vielleicht ist es der Traum von Jeff Koons: Man geht ins Atelier, die Leute arbeiten an ihren Werken, und alles funktioniert wie ein System. Was mir an der Kunst gefällt, ist dieser Moment leichter Verwirrung, wenn man etwas betrachtet und denkt: “Was ist das?” Ein KI-Agent kann diese Art von Überraschung in den Produktionsprozess einbringen. Er wird zu einer strukturierten Quelle der Zufälligkeit, die dennoch etwas Unerwartetes hervorbringen kann.
AM Warst du überrascht von dem, was der Agent hervorgebracht hat? Das System war nach wie vor auf menschliche Eingaben angewiesen. Sammler konnten Anfragen einreichen, die die KI dann in Werke umsetzte.
JL Ja. Die Inkassobeauftragten konnten Anfragen einreichen, und der Sachbearbeiter setzte diese in strukturierte Anweisungen für die Vertragsarbeiter um.
War ich überrascht? Ja und nein. Es ist immer interessant zu sehen, wie sich die Dinge entwickeln, aber die Ergebnisse entsprachen auch meinen Erwartungen an einen ersten Durchlauf. Ohne nennenswerte menschliche Anleitung neigen KI-Agenten dazu, schlampige Ergebnisse zu liefern. Wenn ich die Arbeit wirklich weiter vorantreiben wollte, müsste ich die KI als Werkzeug für meine eigenen Ideen nutzen, anstatt sie den Prozess lenken zu lassen.
Gleichzeitig waren die Teile, die funktionierten, spannend, weil sie einen Hinweis darauf gaben, in welche Richtung sich die Dinge entwickeln könnten. Der KI-Agent bewertete jeden Leiharbeiter nach jeder Sitzung und erstellte eine Leistungsbeurteilung, anhand derer entschieden wurde, ob er erneut eingesetzt werden würde. Das ist ein ziemlich dystopisches Modell, aber es ist auch nicht weit von der Realität der Plattformarbeit entfernt. Wenn man Uber-Fahrer ist und die Bewertungen sinken, kann man den Zugang zur Plattform verlieren. Die Ausstellung hat diese Logik einfach sichtbar gemacht.
AM Dein Agent hat auch E-Mails verschickt. Ich habe dadurch Einladungen erhalten.
JL Genau. Sobald man einen solchen KI-Agenten hat, kann man ihm eine Presseliste geben, ihn beauftragen, jede Person zu recherchieren, eine personalisierte Einladung zu verfassen und diese an Hunderte oder sogar Tausende von Menschen zu versenden. Ich glaube, wir bewegen uns darauf zu, dass die Theorie vom „toten Internet“ tatsächlich wahr wird. Die Vorstellung, dass alles im Internet von Bots erstellt wird. Schon jetzt wird mehr als die Hälfte des Internets von KI generiert. Bald könnte es mehr oder weniger alles sein, und dann bleibt fast nichts Menschliches mehr übrig. Ich habe das Wort „Slop“ schon oft in verschiedenen Zusammenhängen verwendet. Vielleicht klingt es so, als würde ich alles, was schlecht ist, als „Slop“ bezeichnen. Aber es wird derzeit so viel über „Slop“ gesprochen, über diese Art der „Slopifizierung“.
AM Du hast auch über „gut“ und „schlecht“ gesprochen. Sind diese Kategorien noch sinnvoll? Beurteilen die Menschen Kunst heute noch so?
JL Ich glaube nicht, dass diese Schwarz-Weiß-Sichtweise noch besonders nützlich ist. Das Gleiche gilt für Begriffe wie Relevanz oder Marktwert. Keine dieser Kennzahlen sagt wirklich viel aus. Die einzige Frage, die für mich noch zählt, lautet: Hat das Werk eine Wirkung auf dich? Lässt es dich etwas fühlen oder anders denken? Vielleicht ist das alles, was noch übrig bleibt. In dieser Hinsicht bin ich auch ziemlich selbstverliebt. Was ich in meiner Arbeit anstrebe, ist, dass ich unterhalten und herausgefordert werde und Spaß dabei habe, das Werk zu schaffen. Das ist das Einzige, was ich wirklich kontrollieren kann. Alles andere – ob das Werk Aufmerksamkeit erregt, an Wert gewinnt oder als wichtig anerkannt wird – liegt bei anderen Menschen. Natürlich fälle ich während der Arbeit dennoch Urteile. Man bewertet ständig, was man schafft. Ist es schlecht? Ist es gut genug? Könnte es besser sein? Das ist ein Spektrum. Aber wenn man durch die Art Basel geht, sind die meisten Werke nicht einmal schlecht. Sie bewirken einfach nichts. Sie fesseln die Aufmerksamkeit nicht. Vielleicht ist es genau das, was man unter „Schund“ versteht.
Bei unserer Podiumsdiskussion in Basel habe ich mich scherzhaft als CEO von Jonas Lund Studios vorgestellt, aber auch als CFO, CTO, COO, Marketingleiter, Praktikant und Assistent. Das ist im Grunde genommen das, was es bedeutet, Künstler zu sein. Man muss alles selbst machen. Man schafft das Werk, setzt es in einen Kontext, bewirbt es, verschickt Rechnungen und beantwortet E-Mails. Man erledigt das gesamte Spektrum. Und jetzt kommt noch ein weiterer Vollzeitjob dazu: Aufmerksamkeit zu erregen. Der geschickte Umgang mit sozialen Medien ist eine Fähigkeit für sich.
AM Das bringe ich tatsächlich bei.
JL Wirklich?
AM An der Universität für angewandte Kunst Wien, im Fachbereich Digitale Kunst.
JL Das ist die Logik der Aufmerksamkeitsökonomie. Alles wird quantifiziert. Alles wird optimiert. Der Algorithmus gibt dir Anweisungen, wie du deine Arbeit präsentieren sollst, und Erfolg wird auf eine einzige Kennzahl reduziert: Aufrufe, Likes und Interaktionen. Alle anderen Dimensionen verschwinden. Ich war schon immer von Kennzahlen besessen. Zu Beginn meiner Karriere war es Artfacts. Ich war fest davon überzeugt, dass sich meine Karriere verbessern würde, wenn ich mein Artfacts-Ranking verbessern könnte. In gewisser Weise war das auch so, denn die Ausstellungshistorie sagt viel aus. Aber heute bin ich mir nicht mehr sicher, ob diese Kennzahlen noch eine Rolle spielen. Der Wert hat sich woandershin verlagert.