Julie (1994) von Rineke Dijkstra. Bild von artytart.com
Schon in der griechischen Antike war die Muse traditionell eine Frau. Als Göttinnen, die die Künste inspirierten, wurden diese einflussreichen Damen in der Regel aus der Perspektive eines Mannes gemalt, geformt und beschrieben. Im Laufe der Zeit hat der Fetischismus des männlichen Blicks jedoch eine neue Variante des Konzepts hervorgebracht: den weiblichen Blick, einen Begriff, der die Muse aus der Sicht einer weiblichen Künstlerin betrachtet. Dieses Konzept, das Frauen nicht nur als Objekte männlicher Lust und Beobachtung betrachtet, stellt die traditionell patriarchalische Haltung der Kunstwelt gegenüber inspirierenden Frauen in der Kunst in Frage.
Die neueste Ausstellung in der Londoner Whitechapel Gallery, “Terrains of the Body”, zelebriert die Macht des weiblichen Blicks. Die Schau konzentriert sich ausschließlich auf Frauen als Schöpferinnen und kreative Subjekte. Die aus dem National Museum of Women in the Arts stammende Auswahl an Foto- und Videoarbeiten präsentiert 17 Künstlerinnen aus fünf Kontinenten, die mit ihren Medien die weibliche Form als ein Gefäß für Geschichten, Ausdruck und Reflexion nutzen. Hier stellen wir fünf Fotografinnen vor, die sich alle für den weiblichen Blick einsetzen.
Kolobrzeg, Polen, 26. Juli 1992 von Rineke Dijkstra. Bild von tate.org.uk
Rineke Dijkstra
Die niederländische Fotografin Rineke Dijkstra interessiert sich fotografisch für Menschen, die sich in einer Übergangsphase ihres Lebens befinden, und richtet ihr Objektiv auf Männer und Frauen in einem durchdachten kompositorischen Stil. Ohne Rücksicht auf einen bestimmten Hintergrund, ein bestimmtes Alter, eine bestimmte Größe oder Ethnie fotografiert Dijkstra ihre Motive so, wie sie sind; die Männer werden oft als verletzlich dargestellt, während die Frauen ohne unnötige Übersexualisierung oder Kommerzialisierung abgebildet werden. Heranwachsende Jungen, die sie für ihre Serie “Beach Portraits” fotografiert hat, sind ebenso selbstbewusst wie die Mädchen, und die Matadore, die sie nach einem Stierkampf fotografiert hat, befinden sich in einem ähnlichen Zustand der körperlichen und emotionalen Katharsis wie die Frauen aus ihrer Serie über frischgebackene Mütter. Durch die Darstellung von Männern und Frauen in ähnlichen Situationen und mit ähnlichen Emotionen stellt Dijkstra die beiden Geschlechter in ihrem Werk als gleichberechtigt dar.
Selbstporträt im Kimono mit Brian (1983) von Nan Goldin. Bild von dazeddigital.com
Nan Goldin
Die berühmt-berüchtigte Fotografin Nan Goldin ist in der Ausstellung zu sehen, die ausschließlich von Frauen bestritten wird. Die Bilder der Künstlerin, die für ihre Auseinandersetzung mit dem Thema Gender in der New Yorker LGBT-Community berühmt ist, konzentrieren sich auf sie selbst und ihre eklektische Freundesgruppe und bringen Ideen von Begehren und Sexualität zum Ausdruck, während sie die Idee der Identität in Frage stellt. Goldin erforscht in ihrer Fotografie den Begriff des dritten Geschlechts und hinterfragt seit ihren ersten Fotografien in “Die Ballade der sexuellen Abhängigkeit“. In dieser Publikation, die sie als visuelles Tagebuch bezeichnet, werden Goldins Selbstporträts neben ihren Porträts von Freunden gezeigt, in denen sie mit ihrer eigenen Identität ringt und Beziehungen, sexuelle Anziehung und Liebe durch Darstellungen von sich selbst und ihrem ehemaligen Liebhaber Brian hinterfragt.
Ohne Titel #8 (Wunder) von Anna Gaskell. Bild aus aestheticamagazine.blogspot.com
Anna Gaskell
Anna Gaskell begann ihre Karriere als Selbstporträtistin und fotografierte dann vor allem heranwachsende Mädchen in märchenhaften Szenarien. Inspiriert von Alice im Wunderland und den Gebrüdern Grimm, spielen Gaskells jugendliche Protagonisten Geschichten nach und stellen die sehr realen Ängste und Befürchtungen dar, die jeder Teenager in der Übergangsphase zwischen Kindheit und Erwachsensein erlebt. Durch die Schaffung zweideutiger, isolierter Momente in surrealen und gesättigten Umgebungen spielen Gaskells Bilder auf das Verschwinden der kindlichen Unschuld mit dem Beginn der Pubertät an. Da die Fotografin durch den frühen Verlust beider Elternteile dem Druck ausgesetzt war, schnell erwachsen zu werden, könnte ihre tragische Kindheit durchaus ein Faktor für ihre treffende Darstellung dieses Themas sein.
Teile von Nikki. S. Lee. Bild von editiongerdhatje.com
Nikki S. Lee
Die umstrittene koreanische Künstlerin Nikki S. Lee richtet ihr Objektiv auf sich selbst als Frau und konzentriert sich in ihrer fotografischen Arbeit auf die Idee der Identität. In der Serie “Projects” erkundet S. Lee die vielen Facetten ihrer selbst, indem sie sich in verschiedene Charaktere verwandelt und sich in unterschiedliche soziale Gruppen integriert. Sie verwendet Make-up und Kostüme in einer sehr Cindy Sherman-Auf diese Weise verändert die Fotografin ihr Erscheinungsbild je nach Kreis, um zu erkunden, wie die Gruppenmentalität die Wahrnehmung der eigenen Person und der Außenstehenden verändern kann. In “Parts” stellt S. Lee erneut die Identität in Frage, diesmal indem sie Szenen von sich selbst mit einem männlichen Gegenüber kuratiert, bevor sie ihn aus dem Bild herausschneidet. Ihr Ziel ist es, “die Leute neugierig auf die fehlende Person zu machen und darüber nachzudenken, wie seine Identität die zurückgelassene Frau beeinflusst hat”.
Der Held (2001) von Marina Abramovic. Bild von dazeddigital.com
Marina Abramovic
“Die serbische Performance-Künstlerin Marina Abramovic stellt die Objektivierung von Frauen in Frage, indem sie ihren eigenen Körper als Kunstwerk einsetzt. Indem sie sich selbst an extreme körperliche und geistige Grenzen bringt, zeigt die Kreative ihrem Publikum alles und lässt es an den radikalsten Experimenten teilhaben. Von ihrem nackten Körper in ”Imponderabilia“ über ihre Verletzlichkeit in ”Rhythm 0“ bis hin zu tiefen emotionalen Reaktionen in ”The Artist is Present“ ist Abramovic so weit gegangen, dass sie ihr Publikum auch an den privatesten Erlebnissen teilhaben lässt - einschließlich ihrer Trennung von Ulay in ”The Great Wall Walk“. Für ”Terrains of the Body“ hat sie sich entschieden, von den Extremen ihrer Performance zurückzutreten und etwas Persönlicheres zu zeigen. Ein Standbild aus ”Hero“ zeigt Abramovic auf einem weißen Pferd in militärischer Haltung. Indem sie die Zeit ihres Vaters als Soldat im Zweiten Weltkrieg nachstellt, stellt die Künstlerin die Idee des männlichen Heldentums in Frage, indem sie sich selbst anstelle eines männlichen Körpers ins Bild setzt und eine weiße Fahne in Unterordnung hält.
“Terrains des Körpers” ist bis zum 16. April 2017 in der Londoner Whitechapel Gallery zu sehen.