Eine nicht vertretbare Bedingung bei Metabolic Rift

Kaum bin ich aus der U-Bahn gestiegen, blendet mich die Sonne ins Gesicht, während ich mich auf den Weg zum Kraftwerk in Kreuzberg mache, wo Metabolischer Spalt findet derzeit statt. Man könnte sagen, es passt perfekt, eine der alternativsten Kunstausstellungen Berlins in einem der angesagtesten Viertel der Stadt zu veranstalten, das von Street Art und ehemaligen Lagerhaus-Clubs geprägt ist – genau wie das Kraftwerk-Gebäude selbst. 

Daniel Lie ist einer der ausstellenden Künstler bei „Metabolic Rift“. Auf dieser Plattform setzt sich Lie in seinen Kunstwerken mit eher unbequemen Themen auseinander, die er in sorgfältig kuratierten Installationen verpackt. 

Sie bekennen sich offen als nicht-binär, wurden in Brasilien geboren und sind Kind indonesischer Einwanderer. Ihr Aufwachsen sei anders verlaufen als das, was man normalerweise erlebt, erzählt mir Lie. Indem sie einfach so sind, wie sie sind, zeigen sie, dass jeder alles sein kann. Die Welt der Kunst steht im Gegensatz zu der Welt, in der wir physisch leben – eine Welt, die eher von Fantasie und Möglichkeiten als von Grenzen geprägt ist.

Wir lassen das Sonnenlicht draußen und betreten an diesem Mittwochmorgen das Kraftwerk. Wir betrachten ihre Installation Unverhandelbare Bedingung Es erinnert an eine märchenhafte Szene: ein wunderschön gestaltetes Kunstwerk, das einem mystischen Wald gleicht, in leuchtendem Grün erstrahlt und mit kurkumagefärbten Baumwolltüchern sowie Accessoires aus lokal erworbenen Tontöpfen geschmückt ist. Der Name der Installation erinnert an Umstände, die wir nicht kontrollieren können: Verlust, Leben und Tod.

Im Gegensatz zu den anderen, eher futuristisch anmutenden Kunstwerken der Ausstellung nimmt Lies Installation den Besucher in einer waldähnlichen Atmosphäre auf eine Reise der Besinnung mit. Lie zeigt mir Pilze, die gerade auf dem von ihnen gepflanzten Gras gewachsen sind, und sagt mit einem Lächeln im Gesicht: “Sie haben die Einladung angenommen.” Da der Künstler mit der Natur arbeitet, ist jede seiner Installationen einzigartig. “Es ist ein Moment in der Zeit, genau wie eine Beziehung”, vergleicht er, während er mir das Kunstwerk zeigt. Die Pilze werden jedes Mal gepflanzt, aber nur selten sprießen sie tatsächlich; daher ist es für den Künstler eine große Freude, dass sie diesmal die Einladung angenommen haben. Zufälligerweise zerbrach am selben Tag einer der Tontöpfe; wunderschöne Scherben lagen auf dem Boden verstreut und wirkten so malerisch wie ein sorgfältig inszeniertes Bühnenbild. “Es fühlt sich an wie eine Spannungsentladung. Etwas ist zu Ende gegangen, und ein neues Leben hat begonnen – es ist fast schon spirituell”, gesteht Lie.

Vor der Pandemie reiste Lie im Rahmen seiner künstlerischen Arbeit durch viele Länder, und ein Aspekt, der überall gleich und zugleich doch anders war, war die Präsenz und Verwendung von Terrakotta, die mittlerweile ein zentraler Bestandteil seiner Installationen ist. Die Töpfe sind überall zu finden, und was aus der Ferne wie ein Stillleben aussieht, ist ein lebendiges Ökosystem: Die Terrakotta schwitzt, es bildet sich Schaum und Schimmel. “Es ist wie ein Kunstwerk im Kunstwerk, es ist der Prozess des Lebens, eine unverhandelbare Bedingung”, sagt Lie. Als die Pandemie ausbrach, dachte Lie, dass ihre nächste Installation erst in fünf Jahren stattfinden würde. Die Teilnahme an „Metabolic Rift“ war eineinhalb Jahre in der Vorbereitung.

SLEEK: In Ihrem Interview mit dem MoMA sagten Sie, Kunst könne eine “queere Linie sein, die viele Wissensgebiete miteinander verbindet”. Mit welchen Bereichen steht Ihre künstlerische Praxis derzeit in Verbindung?

Daniel Lie: Derzeit bin ich sehr neugierig und daran interessiert, über das bloße Streben nach neuem Wissen hinauszugehen und tiefer einzutauchen. Ich frage die Menschen, mit denen ich zusammenarbeite, ständig nach ihren Sichtweisen auf den Prozess. Die Menschen, mit denen ich zusammenarbeite, betrachten dasselbe, jedoch aus unterschiedlichen Perspektiven. Genau darin liegt meiner Meinung nach eine gewisse Freiheit der Kunst, die alle verschiedenen Wissensgebiete miteinander verbinden kann. 

Sie sind vor kurzem nach Berlin gezogen, einer Stadt mit einer blühenden Kunstszene. War das der Grund, warum Sie hierhergekommen sind?

DL: Hier in Berlin hat man die Möglichkeit, das zu tun, was man will. Es ist großartig, als Künstler in dieser Infrastruktur existieren zu können. Es ist auch großartig, überhaupt von ihrer Existenz zu wissen, wenn man aus dem globalen Süden kommt, wo Kultur verfolgt und unterdrückt wird. Diese Stadt feiert Vielfalt, wodurch ich mich sehr sicher fühle. Die Entscheidung, hier eine Basis zu schaffen, war ein Prozess. Mir gefallen auch die groß angelegten Widerstandsbewegungen hier, zum Beispiel vor ein paar Wochen, als die Menschen gegen die Kontrolle von Mietwohnungen durch Unternehmen gestimmt haben. Andere Städte reden darüber, Berlin handelt. Das bringt globale Bewegungen ins Rollen.

Inwiefern hat deine Identität als nicht-binäre Person deine Kunst geprägt?

DL: Nicht-binär zu sein, geht weit über die Vorstellung von Geschlecht hinaus. Unsere Gesellschaft hat alles in eine binäre Perspektive gezwängt: Leben und Tod, Gut und Böse und so weiter. Es gibt nur Extreme, und das, was dazwischen liegt, wird ausgeklammert. Man muss also verstehen, dass der Lebensprozess nicht so einfach ist. Zum Beispiel sind Geborenwerden, Aufwachsen, Fortpflanzung und das Hinausgehen in die Welt allesamt konstruierte Erzählungen. Ich denke, nicht-binär zu sein, ist ein großartiges Mittel, um in dieser Welt zu existieren. Sobald wir an etwas glauben, wird es sehr statisch. Ich habe das Gefühl, dass Binärsysteme etwas Statisches sind und aufrechterhalten werden müssen. Die Nomaden-Erzählung hilft dabei zu verstehen, dass die Dinge immer in ständiger Bewegung sind.

Wie verlief der Entstehungsprozess der Grafiken für „Metabolic Rift“?

DL: Zunächst ging es darum, die beeindruckende Architektur zu betrachten. Und dann, während wir dem Raum lauschten und über seine frühere Nutzung nachdachten, war es unser Plan, die Energie dieses Teils von Berlin und seine Erinnerung zu vermitteln. Ein großer Teil davon betraf auch die Gestaltung der Installation und ihre Ausdrucksweise. Vieles davon ist fast so, als würde man ein Kind zur Welt bringen. Es ist ein langwieriger Prozess, bis man das Ergebnis genießen kann – und dass wir dies nach all der Unsicherheit der Pandemie nun endlich umsetzen konnten.

Sie haben einmal gesagt, dass Sie sich “allgemein für die philosophischen, wissenschaftlichen und spirituellen Aspekte des Todes interessieren” – was mich sehr an Alexander McQueens Faszination für die Schönheit des Grotesken erinnert hat. Woher kommt diese Faszination und wie spiegelt sie sich in Ihren Kunstwerken wider?

DL: Für mich ist es ziemlich interessant, wie präsent das in uns ist. Manchmal sprechen wir davon, den absoluten Tiefpunkt erreicht zu haben, und manchmal gibt es einen Lichtblick. Gerade in dieser Pandemie fühlten sich viele Dinge wie der absolute Tiefpunkt an. Schreckliche Dinge zu durchleben ist nicht wie im Film, und es fühlt sich an, als wäre man nicht mehr auf dieser Welt – aber das ist es eigentlich gar nicht.

In dieser Ausstellung spielen der Geruch und der Verfall Ihrer Kunstwerke eine Rolle. Warum haben Sie sich dafür entschieden, etwas in das Erlebnis einzubeziehen, das eher unangenehm ist?

DL: Der Geruch war noch nie der Aspekt, den ich vollständig kontrollieren konnte. Er hängt sehr stark vom Ort ab, er ist sehr spezifisch. Dieses Unbehagen fasziniert mich, da es von der subjektiven Wahrnehmung einer Person abhängt. Es gibt so viele Gerüche, und ihre Beurteilung ist so subjektiv. Ich frage mich: Was sagt uns diese Beurteilung über diese Person aus? Was verbindet diese Person mit diesem Geruch? Der Geruch ist oft so eine Art Filter, was ich sehr interessant finde. Er steht mit so vielen Erfahrungen in Verbindung.

Sie sind in Brasilien geboren und führen laut Ihrer Website das Leben eines kreativen Nomaden. Inwiefern hat dies Ihre Kunst inspiriert?

DL: Zunächst einmal war es ein großes Privileg, viele andere Kulturen kennenzulernen und Orte auf der ganzen Welt zu erkunden, während ich mit Menschen zusammengearbeitet habe. Ich liebe es, Kontakte zu knüpfen – das ist immer wieder faszinierend. Auch die Komplexität und die Probleme an den einzelnen Orten zu erkennen, hat mich schon immer interessiert. Insbesondere die Erforschung der alten Geschichte eines Ortes. Was ist im Laufe der Jahre verloren gegangen und in Vergessenheit geraten? Was ist geschehen? Es geht vor allem darum, den Raum wahrzunehmen und Verbindungen herzustellen. Zum Beispiel die muslimische und die indonesische Kultur. Es gibt so viele Aspekte, von Spiritualität bis hin zur Politik, ähnlich wie in Brasilien, das 17.000 Kilometer entfernt liegt. Das ist so faszinierend und anregend. Das möchte ich auch nach Berlin mitbringen und die Kultur dort erkunden.

Ihre erste Ausstellung ‘’Lie Liong Khing“ Das Werk aus dem Jahr 2015 wurde nach Ihrem Vater benannt. Spielen Ihre Familie und Ihre Wurzeln eine große Rolle in Ihrer Arbeit?

DL: Meine Familie väterlicherseits war die erste indonesische Familie, die nach Brasilien ausgewandert ist. Meine Mutter stammt aus einer Diaspora im Nordosten Brasiliens. Ich war schon immer von Comics fasziniert und davon, Teil einer sehr spannenden Geschichte zu sein. Ich bin immer daran interessiert, tiefer einzutauchen. Das spielt eine große Rolle. Ich bin immer noch dabei herauszufinden, inwiefern das Sprechen über meine persönliche Geschichte zum Beispiel mit dem Thema Pilze zusammenhängt. Irgendetwas an diesem Kleinen und Großen ist miteinander verbunden. Wenn ich die Erzählungen der Frauen in meiner Familie verstehe, beginne ich darüber nachzudenken, welche Rolle Gewalt und Patriarchat dabei spielen. Das Thema Einwanderung brachte mich dazu, über politische Bewegungen auf globaler Ebene nachzudenken – von der kleinen Beziehung zur Familie bis hin zu einem großen politischen Kontext; dasselbe gilt für die Beobachtung von Pilzen und Schimmelbildung. Es ähnelt einem Wald, den man von oben betrachtet. Erst klein, dann wieder groß – diese Bewegungen haben etwas Ähnliches an sich.

Die Natur bzw. natürliche Materialien spielen in den meisten Ihrer Werke eine große Rolle. Warum?

DL: Es gab 2015 einen Moment, in dem ich das Bedürfnis verspürte, auf Plastik zu verzichten. Ich hatte ein bestimmtes Gefühl hinsichtlich des Vergehens der Zeit. Um mehr Raum für geheimnisvolle Dinge zu schaffen, wollte ich mich bei diesem Material zurückhalten. Und dann wollte ich etwas Vergängliches und Natürliches verwenden. Außerdem wollte ich die Neugier darauf wecken, was passieren würde. Ich war sehr gespannt darauf, ob sich Pilze ansiedeln würden. Und gestern war es einfach wunderbar zu sehen, wie sie die Einladung angenommen haben.

Die Ausstellung läuft noch bis zum 30. Oktober. Tickets kaufen hier.

FOTOGRAFIE: Nina Maria Schaarschmidt