Elmgreen und Dragset. „Gay Marriage“, 2010. Mit freundlicher Genehmigung des Astrup Fearnley Museet, 2016
Willst du was Lustiges hören? Hier kommt’s: Wie lange dauert es Marina Abramovic Wie wechselt man eine Glühbirne? Das SLEEK-Team hat keine Ahnung, aber wir wetten, dass sie Jay-Z nicht um Hilfe bitten würde. Okay, nicht alle Gags kommen gut an. Hier sind noch ein paar andere Reinfälle: Paul McCarthy’sein „Analplug-als-Weihnachtsbaum“ in Paris, der – wenig überraschend – rasch verunstaltet wurde, und Cindy Sherman’… Clowns, die so böse sind, dass sie Kinder zum Weinen bringen. Doch wenn sie mit Witz umgesetzt werden, können humoristische Versuche Tabus in Frage stellen – etwas, dessen sich die Kunst sehr wohl bewusst ist, da sie dies seit Jahrhunderten als Mittel nutzt, um gesellschaftliche Aspekte zu verzerren, zu verschleiern und zu kritisieren.
Von den Malern aus Florenz bis hin zu den YBAs, Maler, Bildhauer und Konzeptkünstler aller Couleur haben schon seit jeher Komik in ihre Werke integriert, um vom ersten Moment an ein Lachen hervorzurufen. Heute spielen viele Künstler mit den Empfindungen unserer „LOL“-Kultur, um Werke zu schaffen, die so lustig sind, dass man sich vor Lachen die Rippen bricht – und gleichzeitig mit den harten Realitäten unserer Zeit konfrontiert wird. In einer Welt, die immer düsterer und bedrohlicher wird, erweist sich Lachen als das beste Heilmittel.
Einer der wichtigsten Einflüsse auf diese satirische Tendenz in der zeitgenössischen Kunst ist natürlich Dada, die subversive Kunstbewegung, die glaubte, mit ihren aufrührerischen und zugleich urkomischen Kunstwerken die Welt verändern zu können. Und da Dada in diesem Jahr sein hundertjähriges Jubiläum feiert, haben wir fünf zeitgenössische Künstler vorgestellt, deren Werke uns zum Schmunzeln bringen und gleichzeitig mit einem verschmitzten Augenzwinkern den Status quo auf den Kopf stellen.
Elmgreen und Dragset. Prada Marfa, 2005. Mit freundlicher Genehmigung der Künstler, des Art Production Fund, New York, und von Ballroom Marfa, Marfa. Foto: Simon Bierwald
ELMGREEN UND DRAGSET
“Eines der ersten Dinge, die ich von Michael gelernt habe, war, mich gegenüber Autoritäten nicht so verdammt unterwürfig zu verhalten”, sagt Ingar Dragset über seinen Komplizen Michael Dragset. Gemeinsam bilden sie Elmgreen und Dragset, eines der weltweit beliebtesten Künstlerduos. Die beiden lernten sich 1995 in Kopenhagen kennen und verfügten über keinerlei formale künstlerische Ausbildung. Inspiriert von ihrem Wunsch, die Kunstwelt ins Wanken zu bringen, beschlossen sie, alle formalen Beschränkungen und Normen über Bord zu werfen – was ihnen mit ihrem subversiven Humor auch gelang.
Tatsächlich zeichnet sich ihr Witz durch eine trockene Vortragsweise mit einer queeren, gesellschaftspolitischen Schärfe aus. In ihrer Installation “Gay Marriage” aus dem Jahr 2010 verbanden sie die Abflussrohre zweier benachbarter Urinale miteinander. Als Anspielung auf Duchamps “Fountain” war dies zugleich eine Satire darauf, wie westliche Gesellschaften Homosexualität trotz der Einführung der Ehe für gleichgeschlechtliche Paare in vielen Ländern immer noch als etwas Schmutziges, Geheimnisvolles und Illegales behandeln.
Mit diesem ikonoklastischen Ansatz haben sie den Mainstream auf den Kopf gestellt, was zu Werken wie ’The Welfare State“ aus dem Jahr 2006 führte – einer Performance, die sich die Ästhetik einer glamourösen Talkshow zu eigen machte, um die sensationslüsterne Dämonisierung der Arbeiterklasse zu kommentieren. Dennoch verstehen sie sich nicht als moralische Kreuzritter. Im Jahr 2005 schufen sie mitten in der texanischen Wüste ein Land-Art-Kunstwerk in Form eines Prada-Ladens, gefüllt mit Artikeln, die Miuccia selbst gespendet hatte. Während ”Prada Marfa“ offenbar als Kommentar zum Konsumismus gedacht ist, bleibt die Rolle des Duos in dem von ihnen hinterfragten kapitalistischen System zweideutig. ”Wir haben nie wirklich an diesen fast schon protestantischen oder puritanischen Glauben geglaubt, in der Kunst sich selbst treu zu bleiben“, sagt Michael. ”Ich finde das unerträglich altmodisch und moralistisch.“
Obwohl sie Hunderte ähnlich humorvoller Interventionen geschaffen haben, bleibt ihr nach Meinung von SLEEK ihr lustigstes Werk “The Collectors”. Die auf der 53. Biennale von Venedig gezeigte Installation glich der Wohnung eines schwulen Kunstsammlers mit all seinen luxuriösen Besitztümern und untersuchte die feine Grenze zwischen Kunstgenuss und Dekadenz. Gespickt mit amüsanten Einfällen war das Finale der Ausstellung – der leblose Körper des Sammlers, der in einem Swimmingpool treibte – eine makellose Pointe. Galgenhumor in seiner glamourösesten Form.
CASEY JANE ELLISON
Die Webserie “Touching the Art” der 28-jährigen, in Los Angeles lebenden Künstlerin Casey Jane Ellison anzuschauen, ist zugleich verwirrend und unterhaltsam. Da sie sich irgendwo zwischen einer Kunstdiskussionssendung und einer Performance ansiedelt, ist es schwer zu sagen, wo die Realität beginnt und wo sie endet. “Ich bin Casey Jane Ellison”, strahlt sie in einer Folge, “und hier diskutieren wir das Thema, das die Kunstwelt am wenigsten mag – Kunst!” Zu ihren Gästen zählen Persönlichkeiten aus der Kunstwelt, darunter Catherine Opie und Leilah Weinraub, die sie mit Fragen wie “Kann die Kunstwelt den Planeten retten, bevor er unter Wasser steht?” und “Warum halten manche Leute Kunst für dumm?” löchert. Das ist zwar lustig, aber Ellison will damit nicht nur Lacher ernten.
Sie fühlt sich in einem Stand-up-Club genauso wohl wie in einer Galerie – doch um die Närrin zu spielen, muss sie wissen, was sie tut. Später in dieser Folge rutscht ihr die Rolle der TV-Moderatorin im Valley-Girl-Stil ein wenig aus den Füßen, als sie sich an Opie wendet und fragt: “Warum entfremdet Kunst die breite Öffentlichkeit?” Die Unbeholfenheit verfliegt jedoch schnell, als Ellison wieder in ihre freche Rolle schlüpft. Doch ihre wahre Absicht kommt zum Vorschein. “Es ist sehr seltsam”, sagt sie aus LA per FaceTime. “Ich weiß allerdings nicht, ob die Leute wirklich Ehrlichkeit wollen. Es kommt ganz auf den Kontext und die Balance an. Und es macht einfach richtig Spaß, sich gegenseitig auf die Schippe zu nehmen, auch wenn es mal düster wird.” Mit “düster” meint sie harte Wahrheiten wie die Tatsache, dass Frauen in der Kunstwelt immer noch unterbewertet werden und dass ihr Zielgewicht bei sieben Pfund liegt. „Ich habe tatsächlich richtig Angst, weil es in der Kunstwelt keinen Platz für Roasts gibt und ich das Gefühl habe, dass ich mir diesen gerade erst erschaffe.“
Caseys Tätigkeitsfeld und ihr Schaffen scheinen keine Grenzen zu kennen. Neben ‘Touching the Art’ ist sie Moderatorin von VFILES’What the F*SHION?“, eine Webserie, in der sie die Modetrends unter die Lupe nimmt, von denen du nie gedacht hättest, dass sie dir gefallen würden. Vor kurzem beauftragte sie das Modelabel B.B. Dakota mit der Produktion von ”The Right and Left Brains of Casey Jane’s“, einer sechsteiligen Dramaserie über sich selbst. Wenn sie nicht gerade für Marken arbeitet, dreht sie verrückte Videos über ihren eigenen Personenkult und versucht, T-Shirts mit ihrem Gesicht darauf zu verkaufen. Caseyworld erobert die Welt – und ihr seid gewarnt.
MÜSSEN FRAUEN NOCH IMMER NACKT SEIN, UM IN DIE MET ZU KOMMEN?.
MUSEUM?, 2012. Bild mit freundlicher Genehmigung der Guerrilla Girls
GUERRILLA GIRLS
“Müssen Frauen nackt sein, um ins Met-Museum zu kommen?”, fragte die Guerrilla Girls auf ihrem legendären Plakat von 1985. Anlass war eine Ausstellung in jenem Jahr im MoMA mit dem Titel “An International Survey of Recent Painting and Sculpture”. Nur 13 der 169 Künstler der Ausstellung waren Frauen – und keine von ihnen stammte aus einem nicht-weißen Umfeld. Der Protest der Guerrilla Girls sorgte für Schlagzeilen, konnte jedoch die Haltung des Museums nicht ändern, sodass sie ihren Widerstand auf die Straße trugen – und eine Bewegung war geboren.
Mit ihrem Engagement gegen geschlechtsspezifische und rassistische Ungleichheit in der Kunstwelt sind ihre Gorillamasken, ihr Sarkasmus sowie der Einsatz von Wortspielen und Kunstfell zu einem untrennbaren Bestandteil ihrer Marke geworden, die es auf Aufkleber, Plakatwände und in andere öffentliche Räume geschafft hat. “Das Besondere an ihrem Humor ist, dass sie sehr direkt sind”, sagt Nayia Yiakoumaki, Co-Kuratorin der Ausstellung über die Gruppe, die im Oktober in der Londoner Whitechapel Gallery eröffnet wird. “Obwohl sie manchmal dieselben Dinge kritisieren wie ihre weißen männlichen Kollegen, sind die Guerrilla Girls in ihrer Herangehensweise weniger nuanciert, was auch ihre Durchsetzungskraft zeigt.”
In einem weiteren Beispiel ihres fortlaufenden Plakatprojekts listen sie alle Vorteile auf, die es mit sich bringt, eine Künstlerin zu sein. Dazu gehören “ohne Erfolgsdruck zu arbeiten”, “nicht die Peinlichkeit ertragen zu müssen, als Genie bezeichnet zu werden” und “die Möglichkeit zu haben, zwischen Mutterschaft und Karriere zu wählen”. Einige dieser Tatsachen gelten allgemein als wahr; doch erst wenn die Guerrilla Girls deren zweischneidige Natur aufgreifen, erkennen wir ihre humorvolle Seite. Ihr Humor ist direkt, aber weder bösartig noch unangebracht, und sie behalten die Ziele ihrer Satire stets fest im Visier. “Humor ist sehr wirkungsvoll”, fasst Yiakoumaki zusammen. “Man kann seine Botschaft effektiv vermitteln und ein breiteres Publikum erreichen, ohne dabei an Diplomatie einzubüßen.”
Julien Ceccaldi. Artforum, Sommerausgabe 2014. Bild mit freundlicher Genehmigung von Artforum
JULIEN CECCALDI
Beeinflusst von Reality-TV und Manga sind Julian Ceccaldis Werke voller einprägsamer Dialoge und Figuren, die die Ängste des modernen Lebens parodieren. Er begann bereits als Teenager mit dem Zeichnen von Comics und beschloss, das Platzproblem zu umgehen, indem er nur so wenig Dialog verwendete, wie für einen Witz unbedingt notwendig war.
“Ich kann nur Kunst schaffen, die widerspiegelt, wer ich bin, und Humor ist mir wichtig, daher fließt er natürlich auch in meine Arbeiten ein”, sagt der in Montreal lebende Künstler, bevor er seine Ausstellung im 9. Berlin-Biennale. Mit schneller, intuitiver Hand gezeichnet und in beruhigenden Farbtönen gehalten, liefern sich seine Comicfiguren melodramatische Interaktionen, die filmreife Darstellkunst und memeartige Frechheit versprühen. Ein gutes Beispiel dafür ist sein Titelbild für die Sommerausgabe 2014 von Artforum, auf dem zwei anonyme Frauen bei einem Drink zu sehen sind. “Ich bin genau dort, wo ich sein wollte!”, sagt die erste. “Ach so … Hast du heimlich Kummer?”, fragt die zweite. “Unmöglich”, antwortet sie, “ich habe einen Job!”
Mit ihren charakteristischen markanten Kinnpartien, den tränenfeuchten Augen und ihren androgynen, aber muskulösen Körpern verbinden Ceccaldis Figuren Elemente japanischer Manga-Stile mit hypersexuellen queeren Anspielungen. Daher überrascht es nicht, dass Julien ein begeisterter Zuschauer von “RuPaul’s Drag Race” und der “Kroll Show” ist. „In den letzten Monaten war ich sehr aktiv auf Reddit, habe Kommentare zu ‚Drag Race‘ hinterlassen und Witze darüber gemacht“, gesteht Julien. „Ich glaube nicht, dass das schon in meine Arbeit eingeflossen ist, aber wir werden sehen.“
Dennoch ist das so Wirkungsvolle und Urkomische an seinen Figuren – vom verzweifelten Single-Freund bis zum streitlustigen Kunsthändler –, dass sie alle so nah am Leben sind. So sehr, dass Fans bereits darüber spekulieren, wer ihnen als Vorbild gedient haben könnte. “Manche haben vermutet, meine stämmigen Hunde hätten mit einer bestimmten Person aus der Kunstszene zu tun”, sagt er. “Aber das stimmt nicht. Sie könnten jeder sein – es gibt so viele Menschen dieser Art.” Und genau darum geht es. Auf der Suche nach einem Flirt, voller Sehnsucht nach Liebe, so tun als ob, bis es klappt, auf der Jagd nach Erfolg – Ceccaldis Figuren verkörpern auf den Punkt gebracht die Lebenssituation der Millennials nach der Finanzkrise von 2008. Und das Faszinierende an diesen Parodien ist, dass sie gleichzeitig tiefgründig und hauchdünn sind: Sie verbergen ihre wahren Gefühle hinter Plattitüden und verkünden ihre tiefsten Sehnsüchte auf die oberflächlichste Art und Weise.
BBidibidobidiboo, 1996. L.O.V.E., 2010. Bilder mit freundlicher Genehmigung des Archivs von Maurizio Cattelan und der Galerie Perrotin
MAURIZIO CATTELAN
Maurizio Cattelan ist der ultimative Schelm und Gesellschaftskommentator der Kunstwelt. Im Jahr 2001 sorgte der italienische Künstler mit “Him” für Aufsehen – einer Skulptur, die Hitler beim Beten kniend darstellt und damit das bedauerlicherweise nach wie vor bestehende Erbe rechtsextremer Haltungen in den religiösen Institutionen Europas satirisch beleuchtet. Tatsächlich liegt sein größtes Talent in seiner Fähigkeit, das Profane, Religiöse und Makabre zu persiflieren, oft indem er (berühmt-berüchtigte) Persönlichkeiten in kompromittierenden und unerwarteten Situationen darstellt.
Ein weiteres gutes Beispiel hierfür ist “The Ninth Hour”, eine Installation aus dem Jahr 2000, die Papst Johannes Paul II. zeigt, wie er von einem Meteor getroffen wird. Das Werk wurde erstmals in der Londoner Royal Academy of Arts gezeigt, und es versteht sich von selbst, dass es bei seiner Ankunft in Polen mit mehr als nur ein paar verlegenen Lachen aufgenommen wurde. So respektlos er auch sein mag, Cattelan präsentiert diese verzerrten Bilder nicht aus perverser Freude daran. Stattdessen sieht er sie als Spiegelbild der Welt, mit dem Ziel, Diskussionen in einer Kunstszene anzuregen, die seiner Ansicht nach sozialen Themen gegenüber weitgehend gleichgültig ist. “Heute liegt die Agenda nicht in den Händen der Künstler’, sagte er gegenüber La Repubblica. ”Kein Künstler sagt oder tut etwas, das stärker ist als das, was in der Welt geschieht.“
Dennoch scheut er sich auch nicht davor, sein Publikum zu provozieren. In seiner Arbeit ’L.O.V.E.“ aus dem Jahr 2011 platzierte er vor der Mailänder Börse eine weiße Marmorskulptur einer Hand, die den Stinkefinger zeigt. Und in seiner Installation ”Bidibidobidiboo“ aus dem Jahr 1996 inszenierte der Künstler den Selbstmord eines ausgestopften Eichhörnchens in einer Miniatur-Familienküche, die offenbar seiner eigenen nachempfunden war. Doch dies war keine rein provokative Geste: Da das Tier menschliche Züge annimmt, hat das Werk auch eine zarte Seite, die unsere menschlichen Unsicherheiten und Ängste offenlegt. Mit jedem Schlag und jedem Kitzeln versucht Cattelan offenbar, uns zum Nachdenken anzuregen.
Und wenn er gerade keine Kunst schafft, organisiert er Ausstellungen; von 2005 bis 2010 tauschte er seine Künstlerrolle gegen die eines Kurators ein und organisierte sogar die 4. Berlin-Biennale. Doch 2011, kurz vor seiner Retrospektive im Guggenheim in New York, kündigte er seinen Rückzug aus der Kunstszene an, nur um dieses Jahr mit einer weiteren umstrittenen Installation auf der Manifesta 11 zurückzukehren. Das Werk bestand darin, die Paralympionikin Edith Wolf-Hunkeler in einem Rollstuhl über den Zürichsee treiben zu lassen. Nur wenige waren beeindruckt: “Es wirkte eher wie Ausbeutung”, sagte ein anonymer Sammler gegenüber ArtNet in einem abfälligen Artikel. Cattelan zeigt keine Reue: “Die interessantesten Werke, die ich geschaffen habe, waren das Ergebnis großer Angst”, fasst er zusammen. “Angst kann zwar das Vehikel sein, aber nicht der Treibstoff, der die Schöpfung von etwas antreibt.” Vielleicht tankt er das nächste Mal, wenn er Treibstoff braucht, an einer anderen Zapfsäule, doch sein Ruf, gegen den Strich zu gehen, bleibt unbestritten.