Gottfried Helnwein bei SOLO Independencia, Madrid

Helnwein: mundos invertidos - Umgekehrte Welten entfaltet sich wie ein Fiebertraum. Die erste Retrospektive des 77-jährigen österreichisch-irischen Künstlers in Spanien versammelt ein Lebenswerk, das gleichzeitig verstörend präzise und emotional ungebunden wirkt.

Seine Bilder bewegen sich zwischen popkulturellen Symbolen und Themen wie Macht, Konflikt und Trauma. Seine künstlerische Praxis begann in den 1960er Jahren, einschließlich Performance und Aktivismus. Bekannt wurde er für seinen Hyperrealismus, der sich heute, in einer von KI geprägten Zeit, ganz anders liest, da ein leiser Zweifel bleibt: Ist das echt? Und ich fühle mich von dieser Spannung mehr angezogen als von dem beunruhigenden Thema selbst. Es gibt keine Störung, keinen Bruch, der den Betrachter in die Gewissheit entlässt. Stattdessen bleibt man auf der makellosen Oberfläche hängen, gefangen zwischen Intrige und Horror, ohne sicheren Abstand, aus dem man atmen könnte. Was also bleibt, ist der Prozess: die Methode, die Disziplin, die körperliche Arbeit, die in jedem Werk steckt. Es entsteht Respekt - vor dem Können, vor der Ausdauer, vor dem schieren Beharren auf der Malerei.

Über Jahrzehnte hinweg verwendet Helnwein immer wiederkehrende Protagonisten: Donald Duck, Adolf Hitler und das Kind. Zusammen bilden sie eine Konstellation von Bildern, die gleichzeitig verherrlicht und zutiefst gebrochen wirken. Seine Bildsprache ist auffallend konsistent, eine Chronologie der Obsessionen, die sich durch sein Leben und seine Praxis zieht - sichtbar sogar in der Struktur seiner eigenen Website, die gleichzeitig sein Archiv ist.

Innerhalb dieses Kontinuums gibt es einen Einfluss von Francisco de Goya, dem spanischen Maler, der die grotesken und zutiefst menschlichen Realitäten des Krieges mit unerschütterlicher Klarheit darstellte, insbesondere in Die Katastrophen des Krieges, die Helnwein in seinem Werk wieder aufgegriffen hat. Aber Helnwein erschafft die Geschichte nicht neu, er nimmt ihre visuelle Schwerkraft auf. Aus historischen Dokumenten, aber auch aus der Ästhetik zeitgenössischer Mangas, Filme und Videospiele konstruiert er Szenen, die die anhaltende strukturelle, endemische Gewalt zum Ausdruck bringen.

Diese Absorption findet einen ihrer nachhaltigsten Ausdrücke in der Spannung zwischen Kindheit und Horror. Immer wieder kehrt Helnwein zu der Erinnerung an die Begegnung mit Donald Duck zurück - ein prägender Moment, ein Portal in eine andere Welt während eines düsteren Nachkriegsaufwachsens in Wien. Es war eine Welt, die noch immer mit den Folgen unsäglicher Gewalt zu kämpfen hatte, und obwohl es Sinn macht, dass diese amerikanische Comicfigur in diesem Kontext als eine Art Gegenmittel auftaucht, und man den Impuls des Künstlers nachvollziehen kann, ist die Kollision schwer zu vereinbaren: die Erinnerung eines Sechsjährigen an ‘Farbe und Hoffnung’ steht der Figur absoluter Monstrosität gegenüber. Sie wirft die Frage nach der Last auf, nicht loszulassen, immer wieder zu denselben identitätsstiftenden Symbolen zurückzukehren.

Was mir beim Gang durch die Ausstellung auffällt, ist, dass, obwohl Helnwein diese frühe Begegnung als eine Offenbarung beschreibt - eine Rückkehr zum Licht, zu einer Welt, in der Gewalt umkehrbar ist und Schaden keine Spuren hinterlässt - Donald Duck in diesen Werken selten befreiend wirkt. Er verweilt oft - passiv, manchmal bedrohlich - und das Versprechen hält nie ganz; die Spannung zwischen Cartoon-Logik und historischer Realität bleibt ungelöst.

Das Kind erscheint als eine weitere wichtige Figur, die nicht als Individuum, sondern als Surrogat auftritt - eine Figur, die das Gewicht des Verrats und der Verletzlichkeit trägt, ein Mensch, der der Gnade eines anderen ausgeliefert ist. Daneben tauchen immer wieder Waffen, Militäruniformen und Anzüge auf, die zeigen, wie Macht inszeniert, vorgeführt und aufrechterhalten wird. Es gibt einen Schlüsselmoment in der Ausstellung - Das Treffen II (1996), ein Gemälde, das einen Raum voller Männer in Anzügen zeigt, die sich um ein glühendes Zentrum versammelt haben, eine Komposition, die sich wie eine neue Resonanz auf den Kampf um die Vorherrschaft von heute anfühlt. Hier spitzt sich Helnweins Bildsprache wieder zu, wo Vergangenheit und Gegenwart zu einer einzigen, erkennbaren Struktur der Kontrolle zusammenfallen - und vielleicht ein dunkler Vorbote der Wiederholung: ‘Ich glaube, es ist die Aufgabe des Künstlers, Zeuge seiner Zeit zu sein, diesen Wahnsinn festzuhalten und die Menschen vor dem Vergessen zu bewahren. - Gottfried Helnwein

Im weiteren Verlauf der Ausstellung begegnen wir nicht nur Helnweins Werken, sondern auch 30 internationalen Künstlern, die mit ihm in einen Dialog treten. Diese Werke spannen ein Spektrum zwischen zeitgenössischen Kunsttraditionen und von der visuellen Kultur geprägten Praktiken auf, mit starken Wurzeln im Surrealismus, der Figuration und der Pop-Ästhetik. Zu den immer wiederkehrenden Themen gehören Identität, Transformation, Erinnerung und das Unterbewusstsein, die oft durch verzerrte Figurationen oder experimentelle Skulpturen zum Ausdruck kommen. Das Ergebnis ist eine expansive kuratorische Strategie: eine zentrale Stimme im Gespräch mit vielen verschiedenen Materialien, Darstellungen, Zeiten und Orten.

In ähnlicher Weise definiert sich SOLO als ein internationales Kunstprojekt, das sich der Förderung, Unterstützung und Verbreitung der Kunst von heute verschrieben hat. Es wurde 2015 von den spanischen Unternehmern Ana Gervás und David Cantolla gegründet und hat sich zum Ziel gesetzt, ‘ein Ökosystem zu kultivieren, das den künstlerischen Dialog fördert und ein globales, vielfältiges Publikum über physische und digitale Plattformen anspricht’.

SOLO ist ein Universum für sich. Es lässt sich nicht zusammenfassen, man muss dabei sein, um seine Vielschichtigkeit, seine Gedankendichte in Architektur, Design und Kunst zu begreifen. Trotz seines Namens ist SOLO nie nur eine Sache. Es entfaltet sich vielmehr als eine Abfolge von Erfahrungen: komponiert, visuell präzise und immer ein wenig unerwartet. Eine Tür, die an einen Ort führt, den man nicht erwartet hat. Eine Ecke mit einer Couch aus der Mitte des Jahrhunderts, die zum Innehalten einlädt. Überall Bücher, Zeitschriften, Ephemera - Objekte zum Anfassen, zum Lesen, zum Verweilen. Auf diese Weise wirkt der Raum wie eine Erweiterung des privaten Lebensumfelds, ein in eine Institution übersetztes Zuhause. Diese Sensibilität setzt sich an den verschiedenen Standorten fort, auch wenn jeder sie anders zum Ausdruck bringt. SOLO Independencia präsentiert sich eher traditionell mit klaren Linien, Betonwänden und einer Ausstellungslogik. Und doch gibt es auch hier Großzügigkeit: Raum zum Sitzen, zum Dasein, zur Auseinandersetzung.

SOLO CSV, das in einer ehemaligen Druckerei untergebracht ist, geht in eine ganz andere Richtung. Ein Labyrinth. Ein Ort, den man - nun ja, ich - nicht verlassen möchte. Es widersetzt sich der Linearität und damit der Erwartung eines einzigen Weges oder Fokus. Man könnte sagen, dass es ihm an Kohäsion mangelt, zumindest im herkömmlichen Sinne. Aber das ist vielleicht gerade der Punkt. Stattdessen wechselt man ständig zwischen Atmosphären, zwischen Werken, zwischen Zuständen der Aufmerksamkeit. Es entstehen Zwischenräume, Momente, in denen die Bedeutung nicht festgelegt, sondern spürbar ist.

Vielleicht ist es, ähnlich wie der Titel der Ausstellung - Umgekehrte Welten - ein Raum, der Raum für Interpretation und Vielfalt lässt, ohne klare Anweisungen zu geben, wie er zu nutzen ist oder wie die präsentierte Kunst zu lesen ist, sondern, wie Helnwein es praktiziert hat, als eine Hingabe, ein Handwerk und ein ständiges Gespräch.