Im Gespräch mit Tadashi Kawamata

Seit meinem Gespräch mit dem japanischen Künstler Tadashi Kawamata, Ich habe über “Verortung” nachgedacht, eines dieser deutschen Wörter, die nur begrenzte Übersetzungen finden. Es verlangt irgendwie, dass die Sprache sich um es herum formt, wie ein räumlicher Rahmen. Es beschreibt den Akt, etwas oder jemanden in einen bestimmten Kontext, Ort oder Rahmen zu stellen - physisch oder konzeptionell.

Die handeln das ist der entscheidende Teil - etwas ist in Bewegung, nicht fixiert, zeitlich begrenzt. Alles Dinge, die eine große Rolle in Kawamatas Installationen spielen, die von klein und filigran bis hin zu raumgreifend reichen und schließlich ganze Gebäude und Stadtstrukturen einnehmen können. Immer aus Holz, immer organische Formen, die sich wie Fremdkörper anfühlen, die sich nicht einfügen wollen. Und doch fühlen sie sich durch ihre organische Form anziehend an; man möchte ihnen nahe kommen - die haptische Qualität - und in gewisser Weise werden sie oft zu einem Hindernis, das das schnelle Tempo unserer Gesellschaft verlangsamt und einen Moment zum Innehalten, Sehen, Denken und Fühlen bietet - was immer auch provoziert wird.

In unserem Gespräch erzählt Kawamata, wie wichtig dieser Prozess ist - das Gespräch zwischen ihm und dem Ort - und wie er Dinge plant, indem er seine Ideen im Atelier akribisch zeichnet, um sich dann bei der Installation des Werks vom Material und dem Ort leiten zu lassen. Er ist nicht der künstlerischen Vision verpflichtet, sondern macht einen Vorschlag und lässt sich vom Ort leiten. Unter Ruinart’Im Rahmen der einjährigen Residenz hat Kawamata das Gespräch mit der Natur aufgenommen und präsentiert drei Installationen, die das Konzept zwischen Kunst und Ort auf philosophische und wunderbar einfache Weise erweitern.

Wenn er mit mir seinen kreativen Weg teilt und seine Arbeit auf philosophische und abstrakte Weise erklärt, sind seine Antworten oft einfach - nicht wegen der Einfachheit, sondern wegen der Natur der Dinge, die nicht verkleidet werden müssen. Sie sind genau richtig in ihrer Rohform aus Material und Gedanken - verfeinert und verändert im Laufe der Zeit durch die Komposition zwischen Künstler, Ort und Besucher.

Tadashi Kawamata Hallo, mein Name ist Tadashi Kawamata, japanischer Künstler. Ich lebe in Paris und Tokio und bin dreiundsiebzig Jahre alt. Meine erste internationale Teilnahme war 1987 auf der documenta in Kassel, wo ich auch zum ersten Mal in Deutschland war. Das war natürlich vor dem Fall der Berliner Mauer, und dann kam ich 1992 wieder zurück, nach dem Fall der Mauer. Alles war also im Umbruch - eine wirklich interessante Zeit. Und ich erinnere mich, dass ich damals mit viel freiem Material gearbeitet habe, aber nach ’92 war der ganze Schrott weg, weil er stattdessen in den Ostteil ging. Kassel war wie ein Schauraum für Westeuropa, der sich präsentieren musste.

Nisha Verdienst Welches Verhältnis haben Sie zur Natur, speziell im Hinblick auf die Residenz bei Ruinart, aber auch im Hinblick auf das Zusammenspiel von Zeitlichkeit und Dauerhaftigkeit, das für Ihre Installationen sehr wichtig zu sein scheint.

TK Ich bin Japaner. Wir sind automatisch mit der Natur verbunden, weil wir so viele Naturereignisse haben - Katastrophen, Tsunamis, überall; die Natur ist eine Kraft. Wir können also nicht gegen die Natur oder die natürlichen Wesen vorgehen. Stattdessen folgen wir immer der Natur. Bei Ruinart wurde ich eingeladen, über ihre Natur nachzudenken. Aber ich habe auch darüber nachgedacht, was die Bedeutung der Natur im Allgemeinen ist; das Konzept der Natur ist recht jung. In der römischen Epoche oder im Mittelalter sprach man überhaupt nicht über die Natur. Sie hatten keine derartige Kategorie. Als dann die Industrialisierung in Europa einsetzte, als es überall schmutzig und verraucht wurde, sagte ein Philosoph: “Zurück zur Natur”. Das war der Ausgangspunkt für dieses sehr moderne Konzept und diese Kategorisierung.

Aber für mich persönlich ist das Konzept der Natur natürlich ein ganz anderes. Ich verwende natürliche Materialien, was auch eine sehr physische Arbeitsweise ist - ich verwende nicht viele fabrikmäßig hergestellte Dinge oder computerbasierte Prozesse. Ich verwende Holz, das nicht sehr lange haltbar ist; seine Zeitlichkeit ist eingebettet und hängt von der Umgebung meiner Projekte ab. Es gibt also keine wirkliche Bedeutung von Dauerhaftigkeit. Dauerhaftigkeit ist eine Art Fantasie von Leuten, die für immer bleiben wollen. Jeder stirbt sowieso; wir sind nur vorübergehende Wesen. In meinem Wörterbuch bedeutet Dauerhaftigkeit also nichts - es gibt nur vorübergehend. Vielleicht kommt das von einer Art buddhistischer Philosophie.

NM Sie sagten: “Ich mag die Idee der Miniaturisierung. Große Dinge werden klein, In-situ-Installationen werden zu Objekten. Das verändert die Beziehung zum Maßstab und zur Hand. Ein Objekt ist autonom, in sich geschlossen, während eine Installation in ständigem Dialog mit dem Ort, dem Klima und dem Maßstab steht. Sie sind komplementär und bereichern sich gegenseitig. Kleine Formate ermöglichen es mir, Gleichgewichte und Spannungen zu testen, und können später monumental werden. Es ist wichtig, dass der Geist gleich bleibt und sich auf die Hand, das Holz und die Zeit konzentriert. Können Sie mir die Idee des Maßstabs und die Beziehung zwischen Körper und Werk erläutern?

TK Ich habe eigentlich Malerei studiert. Aber ich habe eine Installation im Atelier der Schule gemacht, bei der sich die Leute bewegten und durch große Leinwände gingen, die den Raum teilten und eine tunnelartige Struktur bildeten. Zuerst wollte ich nur den Raum unterteilen, aber es wurde wirklich interessant, wie die Leute nicht nur um die Leinwände herumgingen, sondern durch das Werk hindurch, in die Installation selbst. Das war also der Ausgangspunkt für mich.

Und ich arbeite wirklich gerne mit anderen Menschen zusammen. Jeder hat ein paar Ideen, ich habe ein paar Ideen, wir streiten uns - aber schließlich finden wir eine gute Lösung, also mag ich den Diskussionsprozess bei der Arbeit sehr. Auch Scale funktioniert so, es ist eine Art Aushandlung des Projekts.

NM Geht es um die Schaffung von Gemeinschaft durch Praxis?

TK Ja, sehr sogar. Ich bin wie ein Schreiner - ich schneide Holz, mache etwas Einfaches für das Haus. Aber wenn ich das Projekt planen muss, muss ich wirklich allein sein - in meinem kleinen Atelier bleiben und es aus der Vogelperspektive betrachten, wie eine Miniatur. Es ist also ein sehr gutes Gleichgewicht für mich - zwischen der Idee und der physischen Arbeit. Und der Maßstab ergibt sich wiederum aus dem Ort - ob es sich um einen öffentlichen Raum, einen großen Park, einen Wald oder ein Museum handelt. Das ist eine weitere Ebene, die das Werk, die Gemeinschaft und den Maßstab prägt, und es hängt immer von der Zeit, dem Wetter und der Situation vor Ort ab.

NM Es ist eine interessante Psychologie des Raums, denn im öffentlichen Raum interagieren wir anders. Und Ihre Installationen sind auf die von Ihnen beschriebene Weise faszinierend - sie kommunizieren, sie werden manchmal zu einem Hindernis, aber auch zu einem Angebot zum Innehalten.

TK Für sie ist das eine Art Störung des täglichen Lebens. Die erste Reaktion ist sehr stark - dagegen. Aber mit der Zeit wird es normaler und wird zu einem Teil des Alltags - und dann verschwindet die Installation plötzlich wieder. Das verwirrt sie ein wenig. Dann fangen sie an, sich zu fragen: Was war das? Warum hat er das gemacht? Jetzt ist es weg - was fühlen sie? Es ist wie ein Kratzen an der Oberfläche ihres Lebens. Erst ist es beunruhigend, dann passiert etwas und ändert sich in der öffentlichen Wahrnehmung, dann ist etwas weg - aber die Frage bleibt.

NM Ihr Hauptmaterial für Ihre Installationen ist Holz - wann hat sich dieser Schwerpunkt von der Malerei gelöst?

TK Die Leinwand befindet sich nämlich auf einem Keilrahmen aus Holz. Meine erste Installation bestand also darin, den Stoff aus seinem Rahmen zu nehmen und nur den Keilrahmen im Atelier stehen zu lassen. Das war der Startpunkt.

Von diesem Moment an habe ich mich nie mehr verändert - ich verwende immer Holz. Es ist wie eine internationale Sprache, denn ich kann es überall bekommen. Es ist billig, und wenn ich mehr brauche, kann ich es kaufen. Im Vergleich zu Metall oder Stein braucht man besondere Fähigkeiten und schwere Werkzeuge - aber Holz lässt sich leicht schneiden und zusammenbauen. Und Holz reagiert auf seine Umgebung - Sonne, Feuchtigkeit, Regen - es ist wie ein menschliches Wesen, es ist wie die Haut der Installation, es verändert ständig seine Form.

NM Ihre Installationen haben auch eine Art Rhythmus - sie scheinen sich fast zu bewegen, sich in bestehende Strukturen einzufügen. Wie entwickeln sie sich in situ?

TK Es ist ziemlich spontan. Natürlich plane ich, berechne mit Ingenieuren - Schwerkraft, Wind - aber danach, vor Ort, hängt es davon ab, was im Prozess passiert. Vor allem, wenn man Schrott verwendet, kann man sich nicht vorstellen, wie er sich genau verhalten wird. Es ist ein Stück nach dem anderen, was sehr wichtig ist - es ist nie zu Ende, nie fertig. Wenn ich mehr Zeit oder Material habe, werde ich weitermachen. Wenn es zu viel regnet, höre ich auf und beende es. Für mich gibt es nur ein Ziel - ich will weitermachen. Verschiedene Länder, Städte, Menschen, Zeiten, Orte - aber immer die gleiche Arbeitsphilosophie.

CREDITS

Bild 1: Das Atelier von Tadashi Kawamata. Fotografie von Florie Berger.
Bild 2 & 3: Fotografie von Florie Berger.
Bild 4: Bild mit freundlicher Genehmigung von Ruinart.
Bild 5 & 6: Fotografie von Florie Berger.
Bild 7: Das Atelier von Tadashi Kawamata. Fotografie von Florie Berger.