Image Courtesy of Rainy Miller.
Regenmacherin ist ein Produzent und Künstler, der dafür bekannt ist, gefühlsgeladene, atmosphärische Musik zu kreieren, die sowohl intim als auch weitläufig wirkt. Durch die Zusammenarbeit mit dem Sänger Graham Sayle von High Vis und Christ Bryan sowie mit den Komponisten Alex Currie, August Rosenbaum, Christopher Bryan, J Ludwig III und More Eaze in der Vergangenheit, verbindet sein Sound grobe Verwundbarkeit mit texturierte Klanglandschaften, Er schafft Werke, die tief in der persönlichen Reflexion verwurzelt sind. Sein letztes Album “Joseph, was hast du getan?” wird am 2. Mai 2025 veröffentlicht - während sein einzeln wurde gerade veröffentlicht - und setzt seine Erforschung von Erinnerung, Identität und dem Gewicht gelebter Erfahrung fort. Mit hohem Ansatz zur Produktion durch sein Label Fester Wohnsitz und einem Stil, der sich einer einfachen Kategorisierung entzieht, schafft Miller Musik, die sich eher wie eine filmische Erfahrung anfühlt - vielschichtig, ehrlich und unbeirrbar menschlich.
SLEEK: “Joseph, was hast du getan?” fühlt sich wie ein schwerer, fast biblischer Titel an. Wie kam es dazu, und was bedeutet er für Sie persönlich?
Rainy Miller: Es ist eine direkte Anspielung auf Joseph von Nazareth. Der Mann, der einen Sohn gezeugt hat, der nicht väterlicherseits sein eigener war. Es geht um eine kollektive Anstrengung von vielen, unabhängig von Blut, Geschlecht, Alter, Verwandtschaft... All das, was in bewundernswerter Höhe gelungen ist, um die Rolle der Vaterschaft in meinem Leben zu erfüllen.
S: Eure Musik fühlt sich rau und atmosphärisch an - als ob sie kurz vor dem Zusammenbruch stünde. Wie habt ihr dieses Gefühl auf diesem Album verstärkt oder weiterentwickelt?
RM: Für mich ist das lustig, weil es nie eine bewusste Entscheidung gibt, irgendetwas in der Musik zu verankern. Es gibt kein vorgefertigtes Barometer für die Emotionalität eines bestimmten Moments. Es geht nur um Ehrlichkeit, und wenn man mit Ehrlichkeit arbeitet, hat man das Ausgangsmaterial buchstäblich vor sich liegen, was die Konzentration eines Moments auf eine bestimmte Gefühlsschattierung angeht. Es ist immer nur eine Reflexion eines Moments, der genau mit dem verbunden ist, was ich zu diesem Zeitpunkt gefühlt habe. Es gibt keinen Grund, irgendetwas zu beschönigen, ich musste noch nie die Wahrheit in dieser Sache verzerren. Wenn die Musik also “am Rande des Zusammenbruchs” steht, dann ist das der Punkt, an dem ich im Nachhinein war.
S: Ihr mischt Schönheit und Verzerrung auf eine ganz eigene Weise. Gab es einen bestimmten Sound oder ein bestimmtes Gefühl, das Sie verfolgten, als Sie mit der Arbeit an diesem Projekt begannen?
RM: Der Wunsch nach einem bestimmten Sound war nicht per se vorhanden. Ich war jedoch zeitweise sehr inspiriert vom Sound des Southern Gothic-Genres. Der Einsatz der Gitarre, die Schönheit des zarten Gesangs, der nicht perfekt gestimmt sein muss usw. Aber ich war nicht auf der Jagd nach etwas, das ich wirklich als existent empfand, denn ich versuchte, dem einen Spiegel vorzuhalten und meine eigene Version dessen zu haben, was das ist. Generell würde ich sagen, dass ich mich immer auf die Landschaften des Mittleren Westens von Amerika bezogen habe, aber nicht auf eine spezifische oder direkte Art. Ich habe ihr buchstäblich den Spiegel vorgehalten, um die Umgebung um mich herum hier oben in den ländlicheren Gegenden Nordenglands zu reflektieren. Die Gemeinsamkeiten finden, die Unterschiede aufspalten usw. An diesem Punkt hat man natürlich mit Farbschattierungen, Texturen, Stimmungen, Gesichtern usw. zu tun und versucht, seinen eigenen Platz in der Welt und den Kontext wie ein Stanley-Messer zu benutzen, um diese Dinge in brauchbare, greifbare Klangstücke zu formen und zu verweben. Auf diese Weise muss man sich einen Sound nicht wünschen, er wird einfach zu dem, was er wird.
Image Courtesy of Rainy Miller.
S: Viele deiner früheren Arbeiten spielen mit Trauer, Erinnerung und Identität. Ziehen sich diese Themen immer noch durch diese Platte, oder hat etwas Neues den Platz eingenommen?
RM: Ja, natürlich, wenn man so will, ist diese Platte in gewisser Weise die ultimative Schlussfolgerung dieser Reise. Zumindest in einer Weise, die sich biografisch anfühlt. Dies ist der Höhepunkt all der Erinnerungen und des Kummers und so weiter, auf den ich mich vorbereitet habe, um ihn als Kunst zu veröffentlichen. Um etwas Bedeutendes zu schaffen, muss man etwas leben, zumindest meiner Meinung nach. Ich kann natürlich nur für mich selbst sprechen, aber das Leben zu leben, mit Erinnerungen umzugehen, mit Schmerz, Trauer, Glück, Liebe, Not... all diese Dinge sind es, die einen als Person formen, und in der Kunst geht es darum, wie man das für mich dokumentiert. Sie werden sich durch meine Arbeit ziehen, bis ich aufhöre zu arbeiten. Ich glaube, das einzig Bemerkenswerte, das ich während der Arbeit an dieser Platte übernommen habe, ist die Faszination für Ikonographie und die Beziehung zur Religion. Wie sich das mit der eigenen Religion verbindet usw., aber wie gesagt. Letztendlich ist das alles dasselbe. Es ist alles von einem selbst abgeleitet, von der inneren Arbeitsweise eines Geistes. Man muss ihn mit Dingen füttern, über die er nachdenken kann, damit sich das Rad weiter dreht.
S: Wie hat die Produktion die Richtung des Albums geprägt? Gab es Momente, in denen die Produktion zum emotionalen Kern wurde?
RM: In gewisser Weise ist es immer so. Ich war immer nur am Steuer einer Kunst, die in erster Linie für und über mich selbst gemacht wurde, daher ist es für mich seltsam, weil all diese Dinge sozusagen als Mechanismus dienen, um das endgültige Bild zu malen. Meine Musik entsteht immer aus dem visuellen Gedächtnis heraus, oder besser gesagt aus einem visuellen Blickwinkel heraus, der vor dem geistigen Auge entsteht. Es gibt also ein System, bei dem ich über etwas nachdenke, etwas, das ich in meinem Kopf sehe, eine Erinnerung an die Vergangenheit, einen Moment, in dem jemand etwas gesagt hat usw. Es kann sogar so weit gehen, dass ich eine Filmszene oder eine Textpassage umgestalte, um sie mit einem bestimmten Moment, den ich erlebt habe, in Einklang zu bringen usw. Egal, was es ist, es sind alles bestimmte Momente, die mich auf meinem Lebensweg begleitet oder beeinflusst haben. Von diesem Punkt aus muss die Produktion dann diese Bilder malen. In gewisser Weise schreibe ich meine eigenen Filme. Dann werden die Worte zu Beschreibungen, um dem Film Muskeln, Fleisch und Knochen zu verleihen. Bewegung kann nicht ohne Muskeln und Knochen stattfinden, alles ist miteinander verwoben, um ein Vehikel für etwas zu werden usw.
S: Wer hat noch seine Fingerabdrücke auf diesem Album hinterlassen? Irgendwelche Features oder Kollaborateure, die eine andere Seite von dir zum Vorschein gebracht haben?
RM: Was die Mitwirkenden angeht, die eine andere Seite zum Vorschein brachten, so ist das in gewissem Sinne der unsichtbare Mann, es sind die Aktionen anderer, die unabhängig vom Projekt sind. Ich würde sagen, der größte Wendepunkt, der dem Projekt Leben einhauchte, war Chris Bryan. (Er stellte mir “Searching For The Wrong Eyed Jesus” vor, und aus irgendeinem Grund traf mich das wie eine göttliche Intervention. Das war der Funke, nach dem ich gesucht habe. Da ist also das, da ist meine Familie, die mir zum Beispiel die Geschichte zum Erzählen gegeben hat. Es gibt hier nicht viele praktische Mitarbeiter, weil das wirklich nicht nötig war. Ich habe einen Hauch von Gesang hinzugefügt. Mit Graham und Chris gibt es zwei weitere Stimmen aus dem Norden, die dazu beitragen, dem Ganzen eine Weltanschauung zu geben und die Sprache zu akzentuieren. Abgesehen davon sind es einfach die Meister ihres Fachs, die Dinge erreichen konnten, die ich musikalisch nicht konnte, aber ich habe ihnen immer ziemlich genau gesagt, was ich von der Idee her wollte. Sie waren die technischen Genies, wie J. Ludvig oder August, die ich brauchte, um die Schnörkel herauszuarbeiten. Ein paar von ihnen sind diejenigen, denen ich immer wieder vertraut habe. Mehr Eaze, Alex Currie usw...
S: Eure Live-Shows sind intensiv, fast wie Installationen. Denkst du darüber nach, wie sich das Album auf die Bühne überträgt, oder sind das für dich getrennte Welten?
Die Shows werden für mich immer genau das sein, wofür ich sie brauche, sie sind stundenlange Perioden des explosiven Selbstausdrucks, um all die körperlichen und emotionalen Reaktionen auf die Erinnerungen, über die ich die Musik gemacht habe, zu extrapolieren. Vielleicht wird es eines Tages einen Weg geben, sie in einen weiteren Kontext zu verpacken und ein künstlerisches Element hinzuzufügen, aber im Moment fungieren sie gewissermaßen als Physiotherapie. Es klingt wirklich albern, aber für mich wäre es im Moment egal, ob da 10 oder 10000 Leute drin sind. Jeder wird zu einer Barriere, an der ich mich einfach abreagieren kann.
Image Courtesy of Rainy Miller.
S: Gab es irgendetwas, das Sie bei der Produktion dieses Albums absichtlich vermieden oder abgelehnt haben?
RM: Nein, ich glaube nicht, dass ich jemals auf diese Art und Weise über meine Arbeit nachdenken möchte. Jede Trope der Musikalität, jedes Instrument, jede Textur usw. in der Welt dient einem bestimmten emotionalen Zweck, sie alle rufen individuelle Reaktionen bei einzelnen Menschen hervor. Ich denke, wenn man etwas davon ablehnt, schränkt man sein kreatives Arsenal ein. Vielleicht könnte es eines Tages konzeptionell cool sein, aber für den Moment hätte ich lieber jede Farbe, mit der ich sozusagen eine Leinwand bemalen kann.
S: Wenn jemand “Joseph, What Have You Done?” von vorne bis hinten durchgehört hat, was für ein Gefühl erhoffen Sie sich, dass er danach im Kopf hat?
RM: Es ist wirklich seltsam, denn ich verstehe, dass das Projekt ganz und gar der Selbstbedienung dient. Es ist narzisstisch und selbstverliebt. Ich kann nur hoffen, dass Menschen, die nach einem Licht suchen, die einen Bezug zu der Geschichte haben, es in der Musik finden können. Denn da ist viel drin, es ist eine Platte, die im Wesentlichen in vielen Siegen gebadet ist.
Rainy Miller's Ausstellungstermine
25. April Globus von Berlin Atonal, Berlin
2. Mai The Flying Duck, Glasgow
11. Mai Disgraceland, Middlesbrough