Wie diese generationenübergreifenden Künstler Geschlechtervorstellungen hinterfragt und gleichzeitig die Fluidität gefeiert haben

In diesem Pride-Monat und in einer Zeit, in der konservative Bigotterie sowie frauenfeindliche, homophobe und transphobe Hetzreden und Angriffe weit verbreitet sind, erscheint es von entscheidender Bedeutung, dass London eine groß angelegte Ausstellung veranstaltet, deren Schwerpunkt darauf liegt, Geschlechtervorstellungen in Frage zu stellen. Kiss My Genders, eine bedeutende neue Ausstellung in der Hayward Gallery im Londoner Southbank Centre, präsentiert dreißig internationale Künstler*innen und über 100 Werke, die ein breites Spektrum an geschlechtsfluiden, nicht-binären, trans- und intersexuellen Identitäten zelebrieren und die Bereiche Skulptur, Zeichnung, Malerei, Film, Performance und Fotografie umfassen. Anstatt sich auf Theorie oder akademische Konzepte zu stützen, plädiert die Ausstellung für einen fröhlichen und spielerischen Ansatz. Im Gespräch mit dem Kurator Vincent Honoré erklärt er: “Geschlecht ist etwas, das man lebt, nicht etwas, das man liest. Es ist auf der Tanzfläche, in der Mode, überall.”

“Das Material stammt von den Künstler*innen selbst”, fährt Honoré fort und verweist damit auf den subjektiven Charakter der Ausstellung. “Es sind ihre Leben, ihre Emotionen, ihre Kunst.” Diese Betonung von Empathie und Dialog als eine der Strategien der Ausstellung findet auch ihren Widerhall in der Podiumsdiskussion im Begleitkatalog, der anstelle einer formellen Einleitung veröffentlicht wurde. Der Performancekünstler, Dichter und Autor Travis Alabanza merkt an, dass er die Hayward-Ausstellung als willkommene Abwechslung empfand: “Ich hatte diese abgestandenen Gespräche über Gender einfach so satt; [andere Institutionen] holten zwar diese wirklich spannenden Künstler*innen herein, ließen ihre Arbeiten aber eher banal oder ernst wirken. Das ist es, was in den letzten zwei Jahren zu kurz gekommen ist – die Verspieltheit, die ich und so viele andere trans-, queere und nicht-binäre Künstler*innen haben.” Für Ajamu, eine Fotografin und Aktivistin, deren Praxis Pornografie oft als künstlerisches Mittel einsetzt, um Selbstbestimmung und Lust zurückzugewinnen, “ist diese Verspieltheit oder diese Schelmerei nicht weniger politisch; auch wenn sie nicht als politisch wahrgenommen wird, weil die Leute davon ausgehen, dass sie diese soziokulturelle Arbeit nicht leistet.”

Ähnlich wie in einem Nachtclub kann der Besucher durch die Galerie schlendern. Es gibt keine Sackgassen. Diese Assoziation mit einem häuslichen oder unterirdischen Raum wird durch die Gestaltung verstärkt, bei der schwarze und rosa Latex-Wandbehänge, Chiffon- und Satinvorhänge, Spiegel sowie umfunktionierte Palettenkisten zum Einsatz kommen. “Die Ausstellung richtet sich nicht an die breite Masse”, sagt Honoré, “wenn man hereinkommt, kann man nach rechts oder links abbiegen oder nach oben gehen. So entstehen Territorien und Bereiche, die es zu entdecken gilt.” Kunstwerke sind auch auf den Treppen zu sehen, bedecken die Außenfassade des Gebäudes (insbesondere das Präsidentschaftswahlplakat der amerikanischen Drag-Künstlerin Joan Jett Blakk aus dem Jahr 1992 für die ‘Queer Nation Party’, das an den Außenwänden angebracht ist) und Installationen von Athi-Patra Ruga und Ad Minoliti befinden sich außerhalb des Ausstellungsortes im Southbank Centre. Auch generationenübergreifende Verbindungen und Dialoge sind für die politische Ausrichtung der Ausstellung von entscheidender Bedeutung. Neben zeitgenössischen Künstlerinnen wie Victoria Sin, Juliana Huxtable und Flo Brooks war es Honoré ein Anliegen, auch Künstler wie Pierre Molinier, Luciano Castelli, Peter Hujar und Jimmy DeSana einzubeziehen. “Nicht, um Geschichte zu schreiben, sondern im Gegenteil, um diese Tradition zu durchbrechen”, erklärt er, “sondern zu zeigen, dass die wichtigen Anliegen, für die sich Künstler*innen in den 1960er- und 1970er-Jahren einsetzten – Feminismus, Rechte von Homosexuellen und unkonventionelle Vorstellungen von Männlichkeit –, den Weg für Veränderungen in der gesellschaftlichen Wahrnehmung von Geschlecht ebneten, wie sie heute gelten.” Die Aufhebung der chronologischen Abfolge prägt das Ausstellungserlebnis des Betrachters, das sich eher an den Einzelnen als an die Gruppe richtet.

Fragen rund um Gemeinschaft, Clubkultur und queere Räume sind in der Ausstellung verankert. In ihren Fotografien aus den 1990er Jahren unterlief Catherie Opie die Tradition der Renaissance-Porträtmalerei, als sie Mitglieder der schwulen, lesbischen und sadomasochistischen Gemeinschaften darstellte, denen sie in San Francisco angehörte. In einer ähnlichen Zeit in London war die Künstlerin Del LaGrace Volcano an der Gründung des ersten lesbischen Sex- und Performance-Clubs der Stadt, “Chain Reaction”, beteiligt und gehörte zudem zur aufkommenden Drag-King-Szene. Es handelt sich um eine ’visuelle Wegbeschreibung des euphorischen, queeren Londons zur Jahrhundertwende“, schreiben sie. Der Film „Something for the Boys“ (2018) von Hannah Quinlan und Rosie Hastings knüpft an dieses Konzept einer queeren Wegbeschreibung an, doch der Ton ist eher melancholisch als euphorisch. Gedreht in Blackpool, im Kabarett-Club „Funny Girls“ und in der ausschließlich Männern vorbehaltenen schwulen Sexbar „Growlr“, bietet ihre Erkundung eine schmerzhafte und elegische Auseinandersetzung mit der Zukunft von LGBQT+-Räumen, die landesweit in großer Zahl schließen – bedingt durch konservative Sparmaßnahmen und den Verlust öffentlichen Raums. Ihre Installation gehört zu den eher direkt politischen Werken, wie beispielsweise „Hunter Reynolds Memorial Dress“ (1993), auf dem die Namen von 25.000 Menschen aufgedruckt sind, die an AIDS-bedingten Erkrankungen starben, und Zanele Muholis Serie „Crime Scene“ (2012), die an die Gewalt erinnert, unter der lesbische und Transgender-Gemeinschaften in Südafrika leiden.

Wie die Transgender- und Latinx-Künstlerin Martine Gutierrez schreibt: “Wir leben in einer Zeit, in der meine Existenz politisch ist, ob ich das nun will oder nicht.” Ihre Fotoserie “Masking and Demons” aus dem Jahr 2018 untersucht Identität als „fremd und unbekannt“ und schlüpft dabei in die Gestalt verschiedener Gottheiten, um kulturelle Repräsentation zu hinterfragen und gleichzeitig zu ergründen, auf welche Weise der Westen bestimmte Stereotypen oder klischeehafte Ikonografien aufrechterhalten hat. Die monströsen Fantasiefiguren in Jenkin van Zyls psychedelischer Horrorfilm-Installation „Looners“ (2019) – einem bedeutenden neuen Auftragswerk der Hayward Gallery – schwelgen auf indirekte und körperliche Weise in der Zerstörung stabiler Identitäts- und Körperkategorien. Im Verlauf der filmischen Erzählung verdeutlichen ihr Hedonismus und ihre Lust das Ausmaß an Ekstase, das ein Verzicht auf Kontrolle bieten könnte.

Wenn es eine zentrale Botschaft gibt, die man daraus mitnehmen sollte, dann ist es Kiss My Genders, … es ist das Recht des Körpers, subversiv, schelmisch, mehrdeutig, ja sogar unlesbar zu sein, und damit zu zeigen, dass ein weitreichender und fließender Ansatz sowohl politisch als auch wahrhaft befreiend ist.

Kiss My Genders ist bis zum 8. September 2019 in der Hayward Gallery in London zu sehen.