Lynn Hershman Leeson, Installationsansicht, Civic Radar, Yerba Buena Center for the Arts, San Francisco, 2017
Weg mit den Jungs, wir leben im Zeitalter der reifen Frau. Schauen Sie sich die Fakten an: Im Jahr 2013 gewann Maria Lassnig im Alter von 93 Jahren den Goldenen Löwen in Venedig. Andernorts wurden Künstlerinnen wie die 92-jährige Etal Adnan und die 73-jährige Phyllida Barlow in großen institutionellen Ausstellungen sowie auf der documenta und der Whitney Biennale gezeigt. Im Jahr 2017 gewann die 62-jährige Lubaina Hamid den Turner-Preis. Als Reaktion auf das stark gestiegene Interesse des Kunstmarkts haben internationale Galerien begonnen, ältere Frauen in ihr Programm aufzunehmen. Warum also werden Kuratoren, Sammler und Kritiker plötzlich auf Künstlerinnen aufmerksam, die ihr ganzes Leben lang weitgehend ignoriert worden sind?
Wiederentdeckung ist ein Wort, das viele vermeiden, wenn sie diese Künstler beschreiben, von denen einige schon seit Jahrzehnten arbeiten. Ältere Frauen leben länger, verfügen über einen lebenslangen Wissensschatz und können dies mit einem umfangreichen Katalog belegen. Künstlerinnen wie Judith Bernstein, Geta Bratescu, Carmen Herrera, Dorothy Iannone, Joyce Pensato, Lynn Hershmann Leeson, Lillian Schwartz, Barbara T Smith und Betye Saar sind nur einige der Namen, die die Landschaft der zeitgenössischen Kunst verändern. Es hat jedoch Jahrzehnte gedauert, bis diese Frauen in die Geschichte der Kunst aufgenommen wurden. Ohne sie wirkt der traditionelle Kanon veraltet, nicht repräsentativ und nicht wahrheitsgetreu.
Geta Bratescu, Alterität, 2002?11 Serie von neun s/w-Fotografien à 50×50cm
DIE GALERIE
Eine Triebkraft für diesen Wandel ist die Rolle der privaten Galerien. Seit einiger Zeit fördern und investieren sie in das Werk älterer Frauen, vor allem weil sie wissen, dass es bei einem breiten Publikum gut ankommt. Hauser und Wirth arbeiteten mit den verstorbenen Louise Bourgeois und Maria Lassnig zusammen und kooperieren weiterhin mit deren Nachlässen sowie mit denen von Eva Hesse und Lee Lozano. Im Jahr 2009 nahmen sie Phyllida Barlow in ihre Liste auf, nachdem sie ihre Lehrtätigkeit an der Slade aufgegeben hatte. Seitdem hat sie einen kometenhaften Aufstieg hingelegt: Sie hat die Duveen Galleries in der Tate Britain übernommen, war für den Hepworth Prize nominiert und vertrat das Vereinigte Königreich auf der diesjährigen Biennale in Venedig. Für Hauser sind die alten Damen ihr Brot und Butter. “Wir haben offensichtlich das Gefühl, dass endlich alle anderen aufgewacht sind”, sagt der Londoner Direktor Neil Wenman. “Ich glaube, das liegt in der DNA der Galerie begründet. Sie entspringt den großen Überzeugungen von Ivan, Manuela und Ursula [Wirth]. Vor allem Ursula sammelt seit vielen, vielen Jahren Künstlerinnen”.”
Hausers jüngste Unterzeichnung ist Geta Bratescu, die 91-jährige rumänische Künstlerin, die allein in diesem Jahr auf der Documenta ausgestellt und Rumänien auf der Biennale von Venedig vertreten hat. Für Wenman ist die Tatsache, dass sie noch lebt und produziert, ein Grund, warum ältere Künstler so attraktiv sind. “Sie sind immer noch aktiv. Ich denke, dass es oft die besten Arbeiten sind, die sie gemacht haben”, schwärmt er. Ältere Künstlerinnen sind nicht nur ein Trend. Sie können auf jahrzehntelange Arbeit zurückblicken, die ihr Können rechtfertigt. Lisson-Galerie, Roberts und Tilton, Magenta Plains und Alison Jacques sind nur einige der vielen Galerien, die ältere Frauen auf ihrer Ausstellungsliste haben. Viele dieser Frauen haben ununterbrochen gearbeitet, gelehrt und ausgestellt. Der Unterschied besteht darin, dass Sammler, Kuratoren und die Medien jetzt auf sie aufmerksam geworden sind. Als Phyllida Barlow Künstlerinnen wie Rachel Whiteread unterrichtete, störte sich niemand an ihren Ausstellungen an höchst unmodischen Orten wie der Swiss Cottage Library in London. Das hat sich gründlich geändert.
Phyllida Barlow, Installationsansicht, Narrheit, Britischer Pavillon, Venedig, 2017
Warum wurden diese Frauen ignoriert? Sexismus war zweifelsohne ein Teil des Problems. Sie wurden von den Galerien sicherlich nicht vertreten. Auch heute noch machen Frauen nur ein Drittel der von Galerien vertretenen Künstler aus. Die in den späten 70er Jahren aufkommende Pictures Generation brachte einige weibliche Namen in den Vordergrund, darunter Sherrie Levine, Barbara Kruger, Cindy Sherman und Louise Lawler. In den achtziger Jahren war die New Yorker Galerie Metro Pictures ein bemerkenswerter Pionier, aber selbst bedeutende Galeristinnen dieser Zeit wie Mary Boone und Marian Goodman zeigten erst viel später Kunst von Frauen. Es gab finanzielle Zwänge: Weiße männliche Künstler verkauften, und die Mieten mussten bezahlt werden. Künstlerinnen stellten zwar aus, aber oft nur in B-Listen aus, wenn überhaupt. Die Auswirkungen dieser Situation sind noch immer an den Verkaufszahlen ablesbar. Wie die New York Times berichtete, erzielte die abstrakte Expressionistin Judith Godwin 2006 bei einer Auktion einen Höchstpreis von $26.000; 2012 erzielte ihr Freund Franz Kline einen Verkaufserlös von $40 Millionen.
Vor einem Jahrzehnt eröffnete Mara McCarthy The Box in LA und begann, dieser Situation entgegenzuwirken. Seitdem hat ihre Galerie so bekannte Künstler wie Barbara T. Smith, Judith Bernstein, Simone Forti und Eugenia Butler vertreten. Ein Teil ihres Erfolges ist auf ihre intime Kenntnis der Kunstszene von LA zurückzuführen (ihr Vater ist der in Kalifornien lebende Künstler Paul McCarthy), aber ein Großteil des Erfolges ist Künstlern wie Smith zu verdanken, deren interdisziplinäre Werke eine Botschaft haben. “[Ihr Werk] hat so viele interessante Verbindungen zu feministischen Themen, Spiritualität, politischen Themen, Fragen des Körperbewusstseins und zu Dingen, die für mich persönlich als junge Frau, die das Programm entwickelt hat, interessant waren.” sagt McCarthy. “Barbaras Arbeit hat diese wunderbare persönliche Verbindung, auch wenn sie oft größere kulturelle Themen anspricht.”
Betty Tompkins, Muschi-Malerei #8, 2011 Acryl auf Leinwand, 40,5 × 40,5 cm
DIE EINRICHTUNG
Die Kunsthistorikerinnen von heute sind mit der Literatur von Autorinnen wie Linda Nochlin, Rosalind Krauss und Griselda Pollock aufgewachsen, die sich für die Kreativität ihres Geschlechts einsetzten. Das Erbe des Feminismus ist in der akademischen Welt der zeitgenössischen Kunst sehr präsent, und neue Forschungen weisen auf die klaffenden Lücken in Museums- und Privatsammlungen hin. Betye Saar zum Beispiel ist eine 90-jährige Künstlerin aus Los Angeles, die im vergangenen Jahr eine Einzelausstellung in der Mailänder Fondazione Prada hatte und kürzlich in Gruppenausstellungen im Brooklyn Museum und in der Tate Modern zu sehen war. In ihren Objekten verschmelzen Ethnie, Esoterik und Autobiografisches. Ohne die Recherchen von Kuratoren, die ihr Werk einem internationalen Publikum zugänglich gemacht haben, würde es vielleicht immer noch in ihrer Garage in Laurel Canyon lagern.
Geta Bratescu, Spiel der Formulare, 2012 Serie von sieben Collagen auf Papier, je 26,5 × 35,5 cm
Die Kuratorin und Autorin Alison Gingeras kuratiert in diesem Herbst auf der Frieze Art Fair eine Sektion, die feministischen Künstlerinnen wie Natalia LL, Penny Slinger, Betty Tompkins und Joan Semmel gewidmet ist. “Ich fühlte mich sehr zu Figuren hingezogen, die in enzyklopädischen Ausstellungen über den Feminismus ausgeklammert wurden”, erklärt Gingeras. “Sie wurden wegen ihres sexuellen Inhalts an den Rand gedrängt. Ich glaube, viele Frauen meiner Generation haben das Erbe des Feminismus als selbstverständlich angesehen.” Der Aufstieg des neuen Feminismus der Millennials hat auch zu einer Welle der Unterstützung für ältere Künstler geführt. Gingeras stellt fest: “In der Popkultur hat sich die Einstellung zu expliziter Sexualität und der Rolle der Frau in der Pornografie geändert. Es ist notwendig zu zeigen, woher das kommt. Auf der diesjährigen Documenta war ein ganzer Raum in Kassel dem Werk von Annie Sprinkle gewidmet, der Sexualaktivistin, die vor 15 Jahren als Futter für Exploitation-TV wie Eurotrash galt. Cosey Fanni Tuttis Arbeit in der Welt der Pornografie in den 1970er Jahren war auf der Manifesta11 zu sehen, und ihre Autobiografie ”Art Sex Music“, die im April dieses Jahres veröffentlicht wurde, war ein Überraschungserfolg in der Kunstszene. Es gibt jetzt ein eifriges, jüngeres Publikum, das nach Kunstwerken sucht, in denen die Politik im Vordergrund steht. Diese Künstlerinnen zeigen Möglichkeiten auf, wie man Kunstwerke schaffen kann, die die Wahrnehmung tatsächlich verändern.
Betty Tompkins, Fuck painting #7, 1973, Acryl auf Leinwand
213,5 × 152,5 cm
Ein neues, jüngeres, neugieriges Publikum verfolgt auch Frauen, die außerhalb der traditionellen Medien arbeiten. Lynn Hershmann Leeson war eine der ersten Künstlerinnen, die an der Schnittstelle zwischen Technologie und Skulptur, Elektronik und Körper, feministischer Politik und Posthumanismus arbeitete. Erst nach einer europäischen Überblicksausstellung im ZKM in Deutschland im Jahr 2014 wurde die Welt auf ihre Arbeit aufmerksam. “In den Achtzigern erkannte man die Vorläufer der vorherigen Generation nicht an. Mit der Zeit wurde dies langsam korrigiert und es schien offensichtlich, dass es diese historische Lücke gab. Die Leute erkannten, dass diese ganze Generation unsichtbar war”, bemerkt Hershmann Leeson. “Ich habe 1971 zum ersten Mal in Berkeley ausgestellt. Sie nahmen meine Ausstellung ab und sagten, sie sei keine Kunst und gehöre nicht in ein Kunstmuseum. Ich begann, in Ladengeschäften und so weiter auszustellen, weil die Institutionen nicht zugeben konnten, dass die Verwendung von Ton und Video eine Kunstform ist.”
“Lynn sagt, dass ihr Publikum endlich geboren wurde”, meint Bridget Donahue, Galeristin bei Hershmann Leeson in New York, mit einem Augenzwinkern. “Die Darstellung von Frauen und feministische Theorien waren schon immer in Lynns Werk eingebettet. Die Charaktere sind komplex, die Metaphern sind real geworden, denn die ständige Überwachung und anatomische Untersuchung von Frauenkörpern hört nicht auf.”
Betye Saar, Regenbogen-Mojo, 1972 Acryl auf Leder, Paul-Michael diMeglio, New York
Die Präsenz älterer Künstlerinnen ist ein Zeichen für eine sich verändernde Kunstwelt. Es gibt heute mehr Direktorinnen großer Museen, mehr Schriftstellerinnen und Redakteurinnen als je zuvor - ein Trend, der sich auch im Kunstkonsum niederschlägt. Die Frieze zum Beispiel widmet seit kurzem einen ganzen Bereich ihrer Kunstmesse älteren Künstlerinnen - eine Entscheidung, die zweifellos auf das Interesse der Käufer zurückzuführen ist. Es gibt Sammler wie Valeria Napoleone und Patricia Phelps de Cisneros, die Künstlerinnen eindeutig in den Mittelpunkt ihrer Sammlungen gestellt haben. Die Rubell Collection in Miami widmete ihre Schau “No Man's Land” 2015/2016 ausschließlich Künstlerinnen.
Joyce Pensato, Ansicht der Installation VERGESSEN SIE ES’, Lisson Gallery London, Mai 2017
Viele andere Käufer stellen fest, dass Sammlungen weißer Männer nicht mehr zeitgemäß erscheinen. Sammler mögen es nicht, passé zu wirken. Der Zyniker könnte einwenden, dass viele dieser Künstler in den kommenden Jahren sterben werden - ein Ereignis, das den Wert von Kunstwerken tendenziell erhöht. In einigen Fällen können die Preise für ‘spät entdeckte’ Künstler angemessener sein und steigen, wenn sie in den Kanon der Kunstgeschichte aufgenommen werden. Ähnlich verhält es sich mit dem Interesse an Bewegungen wie Gutai, der Cobra-Gruppe oder dem Wiederaufleben des Interesses an der italienischen Nachkriegskunst. Was auch immer der Grund sein mag, jeder profitiert von einer breiteren, repräsentativeren Definition dessen, was Kunstgeschichte des späten 20. Jahrhunderts. Es handelt sich um Künstler, die sich Bewegungen widersetzten, die sich Beschränkungen widersetzten, die sich sogar einem fehlenden Publikum widersetzten. Das Ergebnis sind Werke mit einem Sinn für Integrität, Können und einer manchmal nicht ganz einfachen Erzählung von sozialem Wandel.
Frieze Masters 2017 läuft vom 5. Oktober bis zum 8. Oktober.