RUNWAY-ZUSAMMENFASSUNG: DAS BESTE DER BERLINER MODEWOCHE SS27

Für mich ist jeder Look einer Kollektion wie eine Strophe. Jeder baut auf dem vorherigen auf, bis sie sich zu einem Gedicht zusammenfügen.
Die Berliner Modewoche Frühjahr/Sommer 2027 bot vier Tage voller kreativer Ideen, verspielter Silhouetten und Statements, die keiner Worte bedurften. Was mir schon nach den ersten Shows immer wieder auffiel, war, wie jede Kollektion ihren eigenen Weg fand, mit der Zeit zu spielen und die Schönheit der Erkenntnis zu zelebrieren, dass nichts für immer währt. Werfen wir einen Blick auf die Shows, die mich am meisten inspiriert haben.

Wenn es eine Kollektion gab, die den Babyboomern garantiert Kopfzerbrechen bereitete, dann war es DAGGER SS27: LEBENSSTILE DER GELANGWEILTEN UND ENTMUNDIGTEN. Luke Raines nimmt uns mit zurück in die britische Küstenstadt, in der er aufgewachsen ist – einen Ort, an dem die Skate-Kultur eine ganze Generation geprägt hat, lange bevor Algorithmen dies taten.
Die Kollektion bewegt sich irgendwo zwischen Jahrmarktslichtern, lauen Sommernächten, Strandpartys in den Dünen und unbeholfenen Heimwegen bei Sonnenaufgang, die sich eher befreiend als beschämend anfühlen. Sie dreht sich um die ersten Male, die einem für immer in Erinnerung bleiben: der erste Job, die erste Zigarette, der erste Kuss und der erste Liebeskummer.
Zerrissene, weit geschnittene Jeans, löchrige Tanktops, knallige Hawaiihemden und von der Sonne verblasste Farben sehen aus, als hätten sie endlose Skate-Sessions in abgetragenen Vans überstanden, ohne dass sich jemand groß um die blauen Flecken gekümmert hätte. Du weißt schon: Jede Schürfwunde wird zu einer Geschichte, über die du Jahre später lachen wirst – bevor das Leben anfängt, dich nach Produktivität statt nach Erinnerungen zu beurteilen.
Hinter den Kulissen bat ich eines der Models, sein Outfit mit drei Worten zu beschreiben. “Jung, sexy und Spaß haben”. Die Models, die auf halber Strecke des Laufstegs ein Selfie machten, wirkten dabei überhaupt nicht theatralisch, es kam mir einfach völlig normal vor. Während die Generation Z immer wieder als faul abgestempelt wird, weil sie Freiheit statt Burnout will, dreht DAGGER den Spieß um – mit ironischen Schärpen, auf denen “Miss Understood SS27” und “Miss Spent Youth SS27” zu lesen ist.
Die Kollektion greift die Motive der letzten Saison wieder auf und lässt sie sich weiterentwickeln, anstatt ständig dem nächsten Trend hinterherzujagen. Die Grafiken – von Sternen und Yin-Yang-Symbolen bis hin zu Tie-Dye, Lippenstift-Küssen, Camouflage- und Animal-Prints – erinnerten an die mit Aufklebern übersäte Unterseite eines Skateboards.
Mit dem letzten Look machte Raines seine Botschaft unübersehbar. Ein T-Shirt mit der Aufschrift “Beschäftigt Kinder aus der Arbeiterklasse” bildete den Abschluss der Show – mit genau der Art von Ehrlichkeit, die die Mode von heute mehr braucht.

KLASSISCHE ERINNERUNG von KOLYA BOGATYREV Es fühlte sich an, als würde ich einen Ort betreten, an dem Raum und Zeit nicht mehr den üblichen Regeln folgten. Für einen Moment dachte ich, ich wäre auf einem anderen Planeten gelandet, bis mir klar wurde, dass alles, was ich sah, bereits hier auf der Erde existiert. Wir haben einfach aufgehört, darauf zu achten, wie magisch das eigentlich ist. Man sieht die Zeit selbst nie, sondern nur die Spuren, die sie hinterlässt. Das ist der rote Faden, der sich durch die gesamte Kollektion zieht.
Bekannte Kleidungsstücke wie Hemden, Maßanzüge und Uniformen kehrten in neu interpretierten Formen zurück, ohne ihre Vergangenheit zu verbergen. Krawatten wurden in unerwartete Formen gedehnt, und Landkarten tauchten als Symbole der Orientierung auf. Die Ausstellung führte durch drei verschiedene Räume, von denen jeder eine weitere Zeitebene erschloss: Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. Zu Beginn rannten zwei Kinder voraus, öffneten jede Tür und erinnerten uns daran, dass jede Zeitachse in der Kindheit beginnt und dass alle Versionen unseres Selbst miteinander verbunden sind. Plötzlich schien es unmöglich, das, was wir waren, von dem zu trennen, was wir gerade werden. Auch die Models spiegelten dieses Gefühl wider, als verschiedene Generationen gemeinsam über den Laufsteg schritten.
Präzise Schnitte verschmolzen mit transparenten Stoffen, handgefertigte Details durchbrachen die Präzision, und strukturierte Silhouetten wichen langsam etwas Weicherem und Menschlicherem. Die Kollektion hat mich dazu gebracht, die alltäglichen Momente wahrzunehmen, die gerade jetzt stattfinden, denn das sind immer jene, die zu Erinnerungen werden, noch bevor man überhaupt merkt, dass sie schon vorbei sind. Ich vermute, genau das war gemeint mit einem KLASSISCHE ERINNERUNG hier.

Und Haderlump verwandelte den Palaissaal in Berlins legendärem Hotel Adlon zu einem Theater, in dem jeder eine Rolle zu spielen hatte. Ein Concierge, Hotelangestellte oder ein Gast, der in etwas, das wie hastig zusammengesuchte Bettlaken aussah, gehüllt durch die Flure schlenderte. Ihre Wege kreuzten sich immer wieder, doch niemand schien den anderen jemals wirklich wahrzunehmen.
Als ich sah, wie sich die Kollektion entfaltete, dachte ich:, Moment mal, Hotels sind eigentlich irgendwie seltsam, denn sie bieten Geborgenheit, ohne dauerhaft zu sein – wie ein Ort, an dem man ankommt, der einen aber gleichzeitig stets darauf vorbereitet, wieder aufzubrechen.
Dieses Gefühl prägte jede Silhouette. Haderlumps charakteristische Drapierungen verliehen den Kleidungsstücken Bewegung, als wären sie irgendwo zwischen Check-in und Check-out eingefangen worden. Die Schneiderkunst übernahm Details aus alten Hoteluniformen, während Denim, Tweed und gekräuselte Stoffe diese vertrauten Anspielungen in das avantgardistische Universum der Marke übertrugen. Schlüssel tauchten immer wieder in der gesamten Kollektion auf – eingewebt in Strickwaren, zu Verschlüssen verarbeitet und in Drucken versteckt –, und spiegelten damit Vorstellungen von Zugang und Zugehörigkeit wider.
Am Ende der Sammlung steht der Titel ATRIUM Das ergab vollkommen Sinn. Alles führt durch ein Atrium, bevor es weiter ins Innere geht, oder? So entsteht ein Moment des Übergangs, in dem die Bewegung wichtiger ist als das Ziel selbst.

Beispiel030 Als es um “Saggingmaxxing” ging, wurde nicht auf die leichte Schulter genommen. Ein Stil, der oft auf das US-amerikanische Gefängnissystem zurückgeführt wird, wo übergroße Kleidung und das Fehlen von Gürteln den Look prägten, fand schließlich seinen Weg in die Hip-Hop-Szene, wo er zu einem Symbol für Identität und Stolz wurde. Die Luxusmode begann, sich dieser gleichen Bildsprache zu bedienen, oft ohne den Gemeinschaften, die sie ursprünglich geprägt hatten, nennenswerten Anerkennung zu zollen. RAW TERRITORY Ich hatte es satt, dass Streetwear ständig wie die zweite Klasse der Modewelt behandelt wurde. Diese Haltung zog sich durch die gesamte Show: Die dunklen Ringe um die Augen der Models spiegelten diese Erschöpfung wider, während ihre Gesichtsausdrücke eine eigensinnige, fast schon freche Selbstsicherheit verrieten, die sich weigerte, nach Anerkennung zu suchen.
Innerhalb von Flughafen Tempelhof, einem Ort, der einst dazu gedacht war, den Personenverkehr zu kontrollieren, hat die Show diesen Raum zurückerobert – so wie die urbane Kultur schon immer die Stadt um sich herum zurückerobert hat. Fatbikes eröffneten und beendeten den Laufsteg und umrahmten die Kollektion mit einer Energie, die unverkennbar nach Berlin roch.
Mattes Leder dominierte die Silhouetten, unterbrochen von kräftigen Akzenten in Türkis und Rot, während übergroße Hosen bewusst tief auf den Hüften saßen, ohne wie ein Kostüm zu wirken. Die Haarkappen sind mir am längsten im Gedächtnis geblieben, weil sie fast wie eine Verlängerung des Körpers selbst wirkten und die Grenze zwischen Mode und Identität, zwischen etwas, das man trägt, und etwas, das schon immer Teil von einem war, verwischten.

Mal ganz ehrlich: Manche Marken nutzen Mode, um der Realität zu entfliehen und GmbH bringt es immer wieder zurück auf den Laufsteg. Anlässlich des zehnjährigen Jubiläums des Labels warf die Kollektion einen Blick zurück auf einen Teil der Berliner Modegeschichte, über den kaum noch jemand spricht.
Bevor Paris und Mailand zu den unumstrittenen Hauptstädten der Mode wurden, hatte Berlin eine eigene blühende Modeszene, bis das NS-Regime große Teile davon zusammen mit den Menschen, die sie aufgebaut hatten, gewaltsam auslöschte. Anstatt diese Geschichte wie ein Museumsstück zu behandeln, hat „GmbH“ sie in die Gegenwart eingebunden und die Frage gestellt, an wen erinnert wird und wer heute die Kultur prägen darf. Als ich dort saß und die Show verfolgte, war es unmöglich, nicht darüber nachzudenken, wie aktuell diese Frage noch immer ist – in einer Zeit, in der die extreme Rechte in ganz Europa immer lauter wird und Minderheiten weiterhin politischem Druck ausgesetzt sind. Mode war noch nie neutral, egal wie oft die Leute darauf bestehen, dass sie es sein sollte.
Auf dem Laufsteg, WANDERWEGE war in all das gehüllt, was die GmbH auf den ersten Blick unverkennbar macht. Technische Sportbekleidung traf auf präzise Schneiderkunst und schuf Silhouetten, die sich bewegungsbereit anfühlten und dennoch jene scharfe, schützende Note bewahrten, auf der die Marke ihre Identität aufgebaut hat. Reflektierende Oberflächen fingen die letzten Sonnenstrahlen vor dem ätherischen Abendhimmel ein, während metallische Oberflächen und dezente Paillettenakzente das Licht in der gesamten Kollektion einfingen. Glänzende Lederstiefel waren eine Anspielung auf die unverwechselbare Reitsport-Sprache von GmbH und verankerte die Kollektion fest in der charakteristischen DNA der Marke. Die Silhouetten blieben kraftvoll, ohne dabei an Sinnlichkeit einzubüßen.
Die GmbH hat sich definitiv ihren Platz in der Geschichte Berlins gesichert und sich dabei geweigert, anderen die Entscheidung zu überlassen, welche Geschichten es verdienen, weiterleben zu dürfen. Ach, die GmbH war eben ganz die GmbH.

Auf den ersten Blick, SKINS von UNVAIN Es sah aus wie eine Gruppe von Fremden, die aneinander vorbeigingen, ohne auch nur ein Wort miteinander zu wechseln.
Übergroße Sonnenbrillen verdeckten ihre Gesichter, wodurch jedes Model ein wenig unnahbar wirkte – anonym genug, dass sich jeder in ihnen wiedererkennen konnte. Jeder Look wurde anhand eines einzigen Satzes konzipiert, nicht anhand eines Moodboards: “Sie selbst ist ein Rätsel, aber genau das gefällt ihr.”. “Tausend Träume glühen sanft in ihm.”. Irgendwie ließen diese Bruchstücke die Anonymität noch persönlicher wirken.
Transparenz zog sich wie ein roter Faden durch die Kollektion, ohne jemals entblößend zu wirken. Zarte Spitze verschwand unter verwittertem Leder, federartige Texturen ließen schwere Oberbekleidung weicher wirken, und die Stoffe wiesen eine Art abgenutzte Optik auf, die den Eindruck erweckte, als hätten sie bereits jemand anderem gehört. Alles bewegte sich irgendwo zwischen Verletzlichkeit und Schutz, wie die Vorstellung einer zweiten Haut, die ständig entscheidet, wie viel von einem selbst die Außenwelt zu sehen bekommt.
In einer Zeit, in der ständig zu viel preisgegeben wird, SKINS hat das Geheimnisvolle wieder cool gemacht. Nicht alles muss erklärt, gepostet oder verstanden werden. Manche Ebenen behältst du für dich.

Reisen lässt einen selten unverändert zurück und BÖRSE von WILLIAM FAN Das versteht man, ohne dass es ausdrücklich gesagt werden muss. Nicht ohne Grund ist die Show von William Fan zu einer festen Größe der Berlin Fashion Week geworden. Saison für Saison erschafft er eine Welt, die ganz und gar seine eigene ist, und dieses Mal wurden die Wilhelm-Hallen genau das. Bekannte Gesichter aus der Berliner Kreativszene, darunter der Musiker Wa22ermann, die sich ganz natürlich in die Besetzung einfügten und jeweils ihre eigene Perspektive einbrachten, bevor sie nach und nach Teil von etwas viel Größerem wurden.
Die Kollektion entfaltete sich mit einer selbstbewussten Ausstrahlung, wobei die Bewegung den größten Teil der Aussage übernahm. Sportlich inspirierte Details wie sichtbare Reißverschlüsse fügten sich ganz natürlich in die klare Schnittführung der Marke ein, während gewaschene Stoffe den Eindruck erweckten, die Kleidungsstücke hätten bereits eine Reise hinter sich, bevor sie auf dem Laufsteg landeten. Was mir sofort auffiel, waren die Falten. Sie verliehen den Silhouetten eine unglaubliche Leichtigkeit und fingen die Luft so mühelos ein, dass die Models eher zu gleiten schienen, als zu gehen. Je länger die Show dauerte, desto mehr glichen diese Falten den Spuren, die das Reisen hinterlässt. Umgeben von Hunderten von Objekten, die auf Märkten rund um die Welt gesammelt wurden, drehte sich die gesamte Show um die Idee, dass wir kleine Teile der Menschen, Kulturen und Momente, denen wir begegnen, noch lange nach Ende der Reise in uns tragen.