Im Gespräch mit Hussein Chalayan

Hussein Chalayan ist einer der einflussreichsten und visionärsten Modedesigner seiner Generation. Seine Arbeit bewegt sich fließend zwischen Mode, Kunst, Technologie und Performance und hat immer wieder neu definiert, was Kleidung sein kann und wie sie erlebt werden kann.

Seine Modenschauen sind bekannt für ihre konzeptionelle Tiefe und ihre einfallsreiche Inszenierung. Im Jahr 2000 Nachwort Bei einer Show im Londoner Sadler’s Wells Theatre verwandelte sich ein hölzerner Couchtisch vor den Augen des Live-Publikums in einen Rock – einer der unvergesslichsten Momente der zeitgenössischen Mode. Zuvor, in seiner Frühjahr/Sommer-Kollektion 1998 Zwischen, Chalayan löste eine Debatte aus, indem er Models in schwarz-weißen, unterschiedlich langen Tschadors präsentierte, die ohne darunterliegende Kleidung getragen wurden, bis die letzten Looks bis auf eine Gesichtsbedeckung nackt wirkten. Die Kollektion setzte sich kritisch mit kulturellen Kleidungs- und Enthüllungsnormen auseinander und hinterfragte, wie Kleidung Identität und Territorium definiert. Seine Arbeiten wurden unter anderem im Victoria and Albert Museum in London und im Metropolitan Museum of Art in New York ausgestellt. Heute entwickelt Chalayan nicht nur neue Kollektionen, sondern lehrt auch an der HTW Berlin und erweitert weiterhin kreative Grenzen, während er die nächste Generation von Designern betreut.

Im Gespräch mit SLEEK spricht er über politisierte Kunst, Risikobereitschaft, Bildung und darüber, wie Mode in einer von Geschwindigkeit und Spektakel geprägten Welt weiterhin Bedeutung behalten kann.

Annika Muth Seit wann unterrichten Sie an der HTW?

Hussein ChalayanIch habe Ende 2019 angefangen. Ich lebe in London, unterrichte aber je nach Semester teils vor Ort, teils online. Das Unterrichten ist für mich ein fortlaufender Entwicklungsprozess. Vor meiner Zeit in Berlin habe ich fünf Jahre lang an der Universität für angewandte Kunst in Wien unterrichtet, sodass ich bereits Erfahrung im akademischen Bereich hatte.

Ich unterrichte, weil ich über langjährige Erfahrung verfüge und das Gefühl habe, jüngeren Designern dabei helfen zu können, sich in einem komplexen und oft überwältigenden Fachgebiet zurechtzufinden. Es geht nicht nur darum, Fähigkeiten zu vermitteln. Es geht darum, ihnen dabei zu helfen, ihre eigene Stimme zu finden. Bei der Modeausbildung sollte es nicht darum gehen, die Studierenden in eine Schublade zu stecken. Sie sollte zum Experimentieren, zur Erkundung und zu Flexibilität ermutigen. Meine Aufgabe ist es, Türen zu öffnen, nicht den Weg vorzugeben.

AM Sehen Sie beim Unterrichten Spuren von sich selbst in den Arbeiten Ihrer Schüler?

HCManchmal. Studierende beziehen sich oft auf Designer, die sie bewundern, und gelegentlich gehöre auch ich dazu. Das ist ganz natürlich. Wenn man noch auf der Suche nach seiner eigenen Identität ist, orientiert man sich an anderen.

Was zählt, ist Ehrlichkeit im Umgang mit Einflüssen. Sie sollten genau wissen, auf wen sie sich beziehen, warum sie das tun und was sie damit erreichen wollen. Es sollte kein einfaches Kopieren und Einfügen sein, sondern eine Neuinterpretation. Ich hoffe, dass sie irgendwann über diese Vorbilder hinauswachsen und etwas entwickeln, das wirklich ihr Eigenes ist.

Ich sage ihnen immer, dass sie, wenn sie interessante Mode kreieren wollen, nicht nur auf die Mode selbst schauen sollten. Die spannendsten Ideen kommen oft von außerhalb der Branche – aus der Kunst, der Architektur, der Politik oder der Wissenschaft. Mode allein reicht selten aus. Neugier ist der Ausgangspunkt für Innovation.

AM Das Eingehen von Risiken scheint ein zentraler Bestandteil Ihrer Arbeit zu sein. Ist das etwas, das Sie aktiv fördern?

HCAuf jeden Fall. Wer nicht bereit ist, Risiken einzugehen, wird keine Werke schaffen, die sich neu oder dringlich anfühlen. Von Beginn meiner Karriere an war ich davon überzeugt, dass Innovation erfordert, sich auf unsicheres Terrain zu begeben. Risiko ist eine bewusste Entscheidung, und für mich war es schon immer unverzichtbar. Das bedeutet jedoch nicht, leichtsinnig zu sein. Risiken sollten zielgerichtet sein. Wenn ich Möbel in Kleidung verwandle oder eine Kollektion inszeniere, die sich mit politischer Symbolik auseinandersetzt, dann tue ich das, weil die Idee es erfordert. Die Form folgt der Frage.

Heutzutage herrscht ein großer Druck, sich anzupassen und beliebt zu sein, insbesondere in den sozialen Medien. Das kann dazu führen, dass Designer vorsichtiger werden. Ich würde mir wünschen, dass mehr junge Designer mutige Schritte wagen. Nicht jede Idee wird erfolgreich sein, aber auch Misserfolge tragen dazu bei, Widerstandsfähigkeit und Unabhängigkeit zu entwickeln.

AM Ihre Kollektionen haben oft politische Untertöne. Würden Sie Ihre Arbeit als von Natur aus politisch bezeichnen?

HCIn vielerlei Hinsicht, ja. Ich bin in London aufgewachsen, stamme aber ursprünglich aus Zypern, einer von Konflikten geprägten Insel. Meine Familie war unmittelbar von den politischen Umständen betroffen. Die Erfahrungen mit Vertreibung und Trennung in jungen Jahren haben meine Sichtweise auf Identität, Migration und Zugehörigkeit geprägt.

Diese Themen tauchen in meiner Arbeit unweigerlich auf. Ich bin nicht daran interessiert, feststehende Aussagen zu treffen. Vielmehr geht es mir darum, Fragen aufzuwerfen. In politischen oder kulturellen Angelegenheiten gibt es selten nur eine einzige Wahrheit. Mich fasziniert die Vielfalt und die Art und Weise, wie sich Perspektiven je nach Betrachter verschieben. Mode kann als eine Form der Auseinandersetzung fungieren. Sie kann Raum schaffen, um über gelebte Erfahrungen nachzudenken. Es geht nicht um Mode um der Mode willen. Es geht darum zu untersuchen, wie Kleidung Identität, Territorium und Macht definiert, wie in Zwischen, wo der Körper, die Darstellung und kulturelle Codes zu einer Sprache wurden.

Gleichzeitig kann Mode eine Flucht aus dem Alltag bieten. Sie entwickelt sich in Wellen. Mal ist sie eher offen politisch, mal eher introspektiv. Was ich heute sehe, ist eher Vielfalt als eine einzige vorherrschende Richtung.

AM Sie haben von Ihrer Faszination für Verpackungen als Konzept gesprochen. Können Sie das näher erläutern?

HCWenn ich von „Verpackung“ spreche, meine ich damit, wie ein Erlebnis strukturiert ist. Die Verpackung bestimmt, wie sich dir etwas offenbart. Jemand hat bereits entschieden, wie du es öffnen, erleben und konsumieren sollst.

Als Kind war ich von Systemen fasziniert, zum Beispiel von den Essenstabletts im Flugzeug mit ihren Fächern und ihrer präzisen Anordnung. Später begann ich mich für Aerogramme zu interessieren, diese gefalteten Luftpostbriefe. Sie standen für Kommunikation, aber auch für Trennung. Als ich in England studierte und meine Familie auf Zypern lebte, hatten Briefe eine große emotionale Bedeutung. Schon die Verpackung selbst symbolisierte die Entfernung. Im Laufe der Zeit entwickelte sich daraus ein breiteres Interesse daran, wie Institutionen Verhalten vorschreiben. Verpackung kann als eine Form der Kontrolle verstanden werden. Sie prägt die Wahrnehmung, noch bevor man eigene Erfahrungen gemacht hat.

Bei vielen meiner Kleidungsstücke wird die Verpackung Teil des Kleidungsstücks. Man entfernt sie, doch sie bleibt daran befestigt. Was verborgen war, wird sichtbar. Der Wandel vom Verborgenen zum Offenbarten steht im Mittelpunkt. Kleidung wird in diesem Sinne sowohl zum Objekt als auch zum Ereignis.

AM Sie arbeiten auch kommerziell mit Marken zusammen. Inwiefern unterscheidet sich das von Ihrer eher konzeptionellen Arbeit?

HCZusammenarbeit erfordert ein Gespür für die Bedürfnisse eines anderen Unternehmens, dessen Markt, dessen Zielgruppe und dessen Struktur. Das erfordert eine andere Denkweise. Das bedeutet jedoch nicht, dass die Kreativität dabei auf der Strecke bleibt.

Ich versuche stets, die Grenzen des Möglichen zu erweitern. Die Zusammenarbeit mit anderen lehrt Verantwortungsbewusstsein und Anpassungsfähigkeit. Man darf sich nicht in seiner eigenen Blase verschließen. Man muss verstehen, wie man einen sinnvollen Beitrag leisten und dabei seine Absichten im Blick behalten kann. Bei Kreativität geht es nicht darum, etwas um seiner selbst willen zu tun. Es geht um den Zweck, ganz gleich, ob man ein konzeptionelles Laufsteg-Outfit entwirft, eine kommerzielle Kollektion gestaltet oder Schüler im Unterricht anleitet.

AM: Wie sehen Sie die Rolle der Modeausbildung heute?

HCDie Lehre muss über die reine Technik hinausgehen. Die Studierenden brauchen Raum, um ihren eigenen Stil zu entwickeln und zu verstehen, wie Mode mit übergeordneten kulturellen und sozialen Strukturen zusammenhängt. Die Ausbildung sollte interdisziplinäres Denken, Tiefgang und Reflexion fördern, statt Konformität.

Ich habe großen Respekt vor harter Arbeit und Leistung. Viele Studierende verbinden heute ihr Studium mit verschiedenen Jobs. Diese Flexibilität verschafft ihnen neue Perspektiven und bringt sie mit unterschiedlichen Lebensrealitäten in Kontakt. Das kann ihre Arbeit bereichern. Im Vergleich zu meinen Anfängen als Dozentin scheinen Studierende heute in ihrer Herangehensweise flexibler zu sein. Sie beschreiten mehrere Wege gleichzeitig. Meine Aufgabe ist es, ihnen dabei zu helfen, den Wert dieser vielfältigen Erfahrungen zu erkennen und sie zu einer starken persönlichen Ausdrucksweise zu formen.

AM Abschließend: Welchen Rat würden Sie jungen Designern geben, die heute ihre kreative Karriere gestalten?

HCAchte auf den Kontext und respektiere deinen eigenen Prozess. Mode ist nicht nur Handwerk. Sie ist eine Sprache. Wie jede Sprache entfaltet sie ihre Kraft erst dann, wenn du verstehst, warum du sie einsetzt. Sei offen für Misserfolge. Sei offen für Einflüsse aus unerwarteten Richtungen. Hinterfrage Annahmen. Bei der Bildung geht es nicht darum, Antworten zu erhalten. Es geht darum, die Fähigkeit zu entwickeln, sinnvolle Fragen zu stellen.