Wenn man sich mit dem Werk von Johannes Schön beschäftigt, ist die Versuchung groß, dem, was man vor sich sieht, einen Sinn abzugewinnen, seine verborgene Bedeutung aufzudecken und ein Rätsel darin zu lösen. Die kunstvoll aufgetragenen Zeichenreihen deuten auf eine Art geschwungene Schrift hin – vielleicht beugt man sich ein wenig näher heran, in der Hoffnung, darin Buchstaben oder die Umrisse von Sätzen zu erkennen. Schließlich wird klar, dass sich die Markierungen nicht so verhalten, also tritt man einen Schritt zurück und betrachtet das Bild als Ganzes – vielleicht ergeben die Linien zusammen ein zusammenhängendes Bild, eine Landschaft, eine Geste. Doch auch hier widersetzen sich die Bilder einer solchen wörtlichen Interpretation; sie wehren sich dagegen, dass ihnen eine Bedeutung aufgezwungen oder aus ihnen herausgelesen wird. Es ist falsch, sie so zu deuten, beschließt man. Dann sieht man etwas in der Bildmitte – es sieht aus wie ein Wort – und beugt sich erneut vor.
Schöns Werk provoziert diese spannungsgeladenen, dialektischen Räume, und er scheint daran Gefallen zu finden. Die Werke sind ernst, aber auch verspielt, und während sie Neugier wecken, lenken sie unsere Aufmerksamkeit in viele verschiedene Richtungen und laden uns ein, über die Funktionen des Schreibens, Lesens, der Performance, des Zuschauens und der Interpretation selbst nachzudenken. SLEEK hatte die Gelegenheit, mit dem Künstler über seine jüngsten Arbeiten zu sprechen und zu versuchen, einige ihrer grundlegenden Dimensionen zu ergründen. Im Mittelpunkt unseres Gesprächs steht ein Triptychon von Werken, das Schön als “Tagebuch der Notizen” bezeichnet und das zu den kühnsten und fesselndsten Arbeiten seines Œuvres zählt. Der in Berlin lebende Schön hat mit verschiedenen Institutionen in der Stadt zusammengearbeitet, darunter das KW Institute, die Wilhelm Hallen und Esther Schipper.
Das Schreiben scheint Ihr Markenzeichen zu sein. Woher kommt dieser Wunsch, Ihre Kunst rund um kalligraphische Elemente zu gestalten?
Genau wie die Kalligraphie – vielleicht auch wie Hieroglyphen – beschäftigt sich die Bildsprache als eigenständige Sprache stark mit der Aushandlung von Räumen. In letzter Zeit hat mich der Stein von Rosetta sehr fasziniert.
Das Schreiben als kommunikativer Akt ist in der Regel mit einer sehr präzisen Botschaft verbunden, einer konkreten Idee, die vom Autor an den Leser vermittelt wird. Die kommunikative Dimension Ihrer “schriftlichen” Werke scheint weniger wörtlich, weniger explizit zu sein als bei traditionellen “Texten”. Wie möchten Sie, dass die Menschen diese Werke lesen? Möchten Sie überhaupt, dass sie gelesen werden?
Ich möchte, dass man sie so betrachtet, wie man ein Artefakt betrachtet, bei dem die Schrift an erster Stelle steht. Dass sie zunächst so verarbeitet werden, wie sie sind.
Was würden Sie jemandem antworten, der diese Texte als literarische Werke bezeichnen möchte?
Literatur? Ja. Möglicherweise. Ja.
Ihre Werke können je nach der Entfernung, aus der wir sie betrachten, manchmal unterschiedlich wahrgenommen werden. In welcher Beziehung stehen Sie zu Nähe und Distanz?
Ja, eine Auseinandersetzung mit Nähe, Entfernung und Maßstab.
Betrachten Sie diese Stücke als eigenständige Werke oder als Aufzeichnungen einer Aufführung? Ist es sinnvoll, zwischen beiden zu unterscheiden?
Beides trifft zu. Es gibt keinen Unterschied, da man sowohl produziert als auch aufnimmt.
Der schwarze Raum in diesen drei Werken scheint eine gewisse Autorität auszustrahlen – sehen Sie diese schwarzen Flächen eher als leeren Raum oder als Zeichen der Auslöschung, als Ende oder als Möglichkeit einer Fortsetzung?
Die Räume selbst sind die Kunstwerke, da wir selbst Raum einnehmen.
Welche Bedeutung und welchen Stellenwert messen Sie Leerzeichen bei?
Nur, um Spuren zu hinterlassen. Ich hoffe, ich habe Spuren hinterlassen.