Vor kurzem habe ich mir die Ausstellung “The Overview Effect” angesehen. Und ich habe mich sofort gefragt, was damit gemeint ist. Dieser Gedanke begleitete mich an einem regnerischen Morgen während der Berlin Art Week, als ich ein Stückchen aus der Stadt hinausfuhr. Der Himmel war grau und tief hängend – so ein typischer Berliner Tag, an dem sich alles ein wenig in der Schwebe fühlt. Dann kam ich bei den Wilhelm Hallen an.
Während der Berlin Art Week, Die Gießerei Die Wilhelm-Hallen werden zu einem Ort für eine ganz andere Perspektive – eine, die uns dazu auffordert, die Welt so zu betrachten, als hätten wir sie gerade aus dem Weltraum gesehen. Ich betrat die Halle durch einen dunklen Gang, in den von irgendwo weiter vorne Tageslicht eindrang. Und dann war es da: der „Overview-Effekt“. Im Inneren veränderte sich die Atmosphäre – es war, als hätte man für einen Moment die Sphäre gewechselt.
Kuratiert von der in den USA geborenen und in Berlin lebenden Kuratorin und Autorin Anna Carnick für The Foundry, Bocci’s In den Ausstellungsräumen der Wilhelm Hallen vereint die Ausstellung rund zwanzig Designer und Künstler aus aller Welt. Und genau wie wir es in der Natur beobachten können, liegt die Schönheit ihrer Arbeiten in ihrer Individualität. Ob in Bezug auf Material, Maßstab oder Technik – sie alle teilen ein gemeinsames Anliegen: Wie können wir wieder eine Verbindung zu der Welt, in der wir leben, und zueinander herstellen?
Neben Carnick gab es noch Johannes Schön, Bocci’s Leiterin für Marken- und Kulturstrategie. Beide führten mich durch die Ausstellung. Ihre Gelassenheit war fast schon ansteckend. Man hatte nicht das Gefühl, von einem Kunstwerk zum nächsten gehetzt zu werden. Im Gegenteil, die Ausstellung schien geradezu dazu einzuladen: Mach langsam, schau noch einmal hin, lass dich ein wenig zum Staunen hinreißen. Nun begannen sich meine Gedanken vom Vormittag zu einer Antwort zu formen.
Die Überblickseffekt beschreibt eine tiefgreifende Veränderung, die Astronauten erleben, wenn sie vom Weltraum aus auf die Erde blicken. Aus dieser Entfernung beginnen die Grenzen zu verschwimmen. Länder sind nicht mehr zu unterscheiden. Was bleibt, ist ein kleiner, zerbrechlicher, leuchtender Planet, der in einer unermesslichen Dunkelheit schwebt.
Erinnert ihr euch an den legendären Foto aus dem Jahr 1968 Erdaufgang, aufgenommen vom Apollo-8-Astronauten William Anders? Ein Bild, auf dem die Erde vor der Mondlandschaft fast unvorstellbar zart wirkt. Die Ausstellung greift dieses Gefühl auf und holt es zurück auf die Erde. Carnick erzählte mir, dass die Idee für die Ausstellung aus ihrer eigenen Faszination für dieses Phänomen entstand, nachdem sie darüber gelesen hatte: “Müssen wir die Erde wirklich verlassen, um zu verstehen, wie sehr wir miteinander verbunden sind?”
Die Ausstellung ermöglicht es uns, diese Frage von festem Boden aus zu beantworten. Apropos Gelände: Das Erste, was mir auffiel, war, dass sich die ausgestellten Kunstwerke über einen gesamten kreativen Raum von 1.680 Quadratmetern erstreckten. Diese riesigen Wände mit Ziegelmuster erinnerten noch immer an die Eisenfabrik, die einst in der historischen Halle untergebracht war. Es war interessant zu sehen, wie sich die Architektur auf natürliche Weise für Offenheit, Weite und Transparenz eignet.
Doch in Kombination mit den statischen Wänden schuf die Ausstellung einen magischen Bruch. Weiche, halbtransparente Stoffbahnen hingen quer durch den Raum und bildeten Wege und Raumfragmente. Es fühlte sich ein wenig so an, als blicke man durch Wolken. Sie bewegten sich sanft, wenn Besucher vorbeigingen, fingen mal das Licht ein, mal verdeckten sie, was dahinter lag. Man sieht selten ein Kunstwerk auf Anhieb in seiner Gesamtheit. Stattdessen erhascht man flüchtige Einblicke: den Rand einer Form, eine Silhouette, eine Textur. Auf diese Weise wurden visuelle Reize geschaffen, die ganz natürlich den Wunsch weckten, herauszufinden, was sich dahinter verbarg. Im Rahmen des übergreifenden Universum-Themas wirkte dieses Gefühl ein wenig wie ein Wurmloch, das einen in die ganze Tiefe der Ausstellung hineinziehen ließ.
Ausstellungsgestalter Chris Leeuw konzipierte die Installation bewusst als ein Geflecht von Beziehungen und nicht als eine Abfolge isolierter Objekte. Die Stoffe lassen die herkömmlichen Grenzen zwischen den Werken verschwinden und regen die Besucher dazu an, sich durch wechselnde Perspektiven und Maßstäbe zu bewegen.
Stellen Sie sich vor, Sie biegen um eine Ecke und sehen zuerst die Rückseite eines Kunstwerks, bevor Sie dessen Vorderseite erblicken. Eine Bewegung im Stoff offenbart einen weiteren Raum. Etwas in der Ferne fällt Ihnen ins Auge, verschwindet aber wieder, sobald Sie näher kommen. Sie werden ständig dazu eingeladen, noch einmal hinzuschauen. Nehmen Sie Marlène Huissoud, deren Arbeit sich mit der Beziehung des Menschen zur gesamten belebten Welt auseinandersetzt, indem sie mit Insekten zusammenarbeitet. Ihre Cocoon Die Werke bestehen aus angesammelten Seidenraupenkokons, die mit einer dünnen Schicht aus natürlichem Bioharz der Honigbiene behandelt wurden. Entscheidend ist, dass bei diesem Verfahren die Seidenraupe nicht getötet wird, wodurch die Konventionen der traditionellen Seidenproduktion in Frage gestellt werden.
Vor ihr stehend Black Sheep Cocoon-Schrank, … Das Material zieht sofort die Aufmerksamkeit auf sich. Dunkel, fast schon jenseitig, wirkt es wie eine Mischung aus Möbelstück, Skulptur und organischem Relikt. Und dann ist da noch der Geruch. Honig. Plötzlich ist das Werk mehr als nur etwas, das man betrachtet. Es wird zu etwas, das man körperlich erlebt. Die Insekten sind nicht länger ein abstrakter Teil eines Ökosystems irgendwo außerhalb unseres Blickfelds. Sie sind direkt da, eingebettet in das Objekt. Mir wurde klar, dass Natur und Design hier eine kraftvolle Symbiose bilden und gemeinsam eine stärkere Botschaft vermitteln, als sie es jemals für sich allein könnten.
Weiter im Inneren, Marjolein Hessels verwandelt diese Beziehung zur Natur in etwas Ruhigeres. Ihre Stickereien Verbascum thapsus zeigt eine Pflanze in ihren natürlichen Farben, die mithilfe von Pigmenten dargestellt wurde, die durch eine auch in der Kräutermedizin verwendete Aufgusstechnik aus der Pflanze selbst gewonnen wurden.
Auf den ersten Blick ist es einfach wunderschön. Dann liest man darüber. Und die Blume verändert sich. Hessels’ Werk fordert uns auf, eine Welt neu zu überdenken, in der Menschen so oft im Mittelpunkt stehen, während Pflanzen, Tiere, Ozeane und Flüsse im Hintergrund bleiben. Ihr Werk erinnert uns daran, dass der Planet keine Kulisse für das menschliche Leben ist. Er ist das System, das dieses Leben erst möglich macht. Man wird von etwas visuell Fesselndem in den Bann gezogen. Erst dann stellt sich die Frage: Was sehe ich hier eigentlich? Und was verlangt das von mir?
Diese Frage gewinnt in den Werken der südafrikanischen Künstlerin und Designerin Christine Jacobs eine noch intimere Dimension. Jacobs, die auf einer Merino-Schafsfarm geboren und aufgewachsen ist, hat eine zutiefst persönliche Beziehung zur Landschaft. Ihre gefilzte Wolle Landschaft Ihre Strukturen entstehen aus einem intuitiven Dialog mit der Landschaft rund um den elterlichen Bauernhof und nehmen weiche, fast schon gebärmutterähnliche Formen an. Sie scheinen den Betrachter eher zu umhüllen, als ihn zu konfrontieren.
Angesichts der Industriearchitektur der Wilhelm-Hallen ist es ein bemerkenswertes Erlebnis, in einer so weitläufigen ehemaligen Fabrik auf diese sanften Landschaften zu stoßen. Durch diesen Kontrast wirken die Werke fast schon schützend, als hätten sie in diesem riesigen Gebäude kleine Räume geschaffen, in denen man innehalten kann.
Um noch einmal auf das Überblickseffekt, kam eine weitere bedeutungsvolle Ebene hinzu: die Veränderung unserer Wahrnehmung davon, wo wir uns befinden. Als ich durch die Ausstellung schlenderte, kam mir alles vor, als würde ich einen Weg durch eine Landschaft entlanggehen. Man sieht etwas. Man wundert sich. Man geht darauf zu. Etwas anderes taucht auf. Und das verleiht der Ausstellung trotz der Vielfalt der Künstler eine bemerkenswerte Kohärenz. Es gibt Designer, die mit Wolle, Seide, Pflanzen, Insekten und anderen Materialien arbeiten; Praktiken aus Europa, Asien, Afrika, Nordamerika und darüber hinaus. Dennoch versucht die Ausstellung nicht, diese Unterschiede zu einer einzigen universellen Ästhetik zu verflachen. Stattdessen lässt sie sie eine Art Netzwerk bilden. Carnick hat bewusst Kunstschaffende ausgewählt, die neue Perspektiven bieten können – Künstler, die uns, wie Astronauten, die auf die Erde zurückblicken, helfen könnten, vertraute Dinge aus einem ungewohnten Blickwinkel zu sehen.
Gegen Ende der Ausstellung ändert sich die Atmosphäre erneut. Man stößt auf ein großes, goldenes Werk des chilenischen Ateliers gt2p, das mit Öffnungen durchzogen ist. Es wirkt wie ein Endziel, etwas, das am Ende des Weges auf einen wartet. Und es vermittelt die direkteste Frage der Ausstellung: Was ist Ihre Hoffnung für die Zukunft unseres Planeten?
Daraufhin luden die Kuratoren die Besucher ein, ihre Antwort auf einen kleinen Zettel zu schreiben und ihn in eine der Öffnungen zu stecken. Nach allem, was zuvor gekommen war – den Pflanzen, den Insekten, den Landschaften, den durchscheinenden Wänden, den wechselnden Perspektiven –, wirkt diese Geste so achtsam. Schreibe deine Hoffnung auf. Stecke sie irgendwo hinein. Hinterlasse sie, damit jemand anderes sie finden kann.
Johannes Schön sprach darüber, wie schwer es ist, in einer Zeit, die von Krieg, politischer Instabilität und so viel Spaltung geprägt ist, optimistisch zu bleiben. Doch sein Optimismus ist nicht naiv. Er entspringt der Aufmerksamkeit für die kleinen Dinge: die Schönheit der Natur, die Möglichkeiten des Schaffens, die Wege, auf denen Menschen noch immer zueinanderfinden können. Dieser Geist zieht sich durch Der „Overview-Effekt“. Es ist hoffnungsvoll, ohne so zu tun, als wäre alles in Ordnung.
Das Schönste an der Ausstellung ist vielleicht, dass sie gar nicht erst versucht, den Weltraum nachzubilden. Ich meine, es gibt keine spektakulären Simulationen von Galaxien oder Raketen. Stattdessen schafft sie etwas viel Subtileres: eine Verlagerung der Aufmerksamkeit.
Die halbtransparenten Wände lassen einen das wahrnehmen, was normalerweise verborgen bleibt. Und die Materialien regen dazu an, darüber nachzudenken, woher die Dinge stammen, während jeder Künstler uns dazu auffordert, unsere Position innerhalb der Natur neu zu überdenken, anstatt uns außerhalb davon zu sehen. Und wenn man das letzte Werk erreicht, erscheint die Vorstellung, vom Weltraum auf die Erde herabzuschauen, eher wie ein Geisteszustand, weit entfernt von einem rein wissenschaftlichen Phänomen. Wir werden daran erinnert, dass wir denselben Planeten, dieselben fragilen Systeme und dieselbe begrenzte Zeit teilen. Ich habe meine Antwort gefunden. Die Überblickseffekt Es geht darum, zu lernen, das, was uns bereits umgibt, mit anderen Augen zu sehen.
Der „Overview-Effekt“ ist vom 4. bis 13. September 2026 in der Foundry, Wilhelm Hallen, Kopenhagener Str. 60–68, 13407 Berlin, zu sehen.